A partir de hoy empieza todo

Comenzó a gestarse en 2006 y su consecución acabó convirtiéndose en todo un tour de force. Tan ambicioso como austero en lo musical y tremendamente confesional en sus textos, “Forgive Me if I Don´t Come Home to Sleep Tonight” supone el disco de ruptura de Ainara LeGardon.

“Un disco que rompe con lo anterior, un borrón y cuenta nueva”. Así define Ainara LeGardon “Forgive Me if I Don´t Come Home to Sleep Tonight”, su tercera referencia discográfica desde que en 2003 emprendiera una pausada y expurgante carrera en solitario tras ocho años al frente de Onion. Se intuía en “In the mirror” (Winslow Lab, 2003), se hacía más evidente con “Each day a lie” (Winslow Lab, 2005) y eclosiona ahora con este complejo tratado de cirugía emocional construido a partir de guitarra y voz, desprovisto de estribillos y pistas adicionales y grabado a media luz en varias sesiones en directo con la compañía de Alfons Serra (Nisei) y Javier Díez-Ena (Dead Capo): el sueño de la autoexploración no crea mostruos, les pone nombre. Y en el mejor de los casos, además, los saca hacia fuera. Nada sencillo, articular un discurso artístico de tamaña implicación emocional…

“A mí me resulta fácil. Es un proceso que me renueva y me ayuda a seguir adelante”, explica Ainara, que justifica el tratamiento formal de “Forgive Me if I Don´t Come Home to Sleep Tonight” como una necesidad natural de la esencia misma de las composiciones: “La mayoría de las canciones fueron surgiendo así, acústicas y desnudas. La opción de que suene todo muy crudo y la producción tan sobria es un reflejo de mi estado de ánimo durante este último año”.

Borrón y cuenta nueva, pues, mirar hacia adelante. No es éste un disco lacrimógeno ni autocomplaciente en su crudeza. “Weightless”, “Sickness”, “The death most desired”, “Stained sounds” son el reflejo de experiencias difíciles, pero no son los únicos ejes temáticos del disco. Canciones como “The third” y “Knowing” hablan del modo subjuntivo, de lo bello que existe en las posibilidades aún no realizadas (“Lo limpio que sería todo si no supiéramos lo que sabemos… La inocencia y la falta de prejuicios, que a veces nos hacen tanta falta”), y “I won´t forget” es un sincero homenaje a la amistad (“Esta canción es un agradecimiento a los que han estado a mi lado, me han curado las heridas, me han apoyado y a los que quiero como si fuesen mi propia familia”).

Difícil fue también concluir la grabación, que tuvo que verse suspendida debido a una dolorosa lesión de espalda de Ainara, lo que comprometió la cohesión y la fluidez del disco. “Tuvimos que posponer la grabación durante un año, con cierto material ya grabado. Durante casi ocho meses no pude tocar la guitarra, por lo que no hubo posibilidad de que surgiera material nuevo. Sin embargo, en los meses previos a la grabación, cuando comencé a tocar de nuevo, surgieron un par de canciones que me pareció interesante incluir en el disco -“Your own dirt” y “Sickness”-, y que desbancaron a otras dos -“A word of love” y “I am”-, que rescataré para un próximo trabajo. Creo que esas dos canciones que surgieron previamente a la grabación definitiva, lejos de encontrarse fuera de contexto, le dieron cierta unidad al disco”.

A buen seguro, ese eventual próximo trabajo aparecerá editado en winslow Lab, su propio sello. “Creo profundamente en la autogestión. No podría concebir mi carrera musical de otro modo. Forma parte de mi actitud y de lo que quiero dar a entender con mi música”.

Jorge Ramos.

Conectado: Ainara LeGardon

Algunas de sus canciones han aparecido en recopilatorios estadounidenses. Las de su tercer trabajo reafirman su discurso y consolidan su personalidad: implicación absoluta, letras como lijas y apenas estribillos. Atención a sus directos.

Disco para los sábados por la mañana: Cualquiera de Neil Young con Crazy Horse.
Detestas… Lo que Eduard Punset llama “la sociedad de las averías”.
Un director de cine: Jim Jarmusch.
Sentimiento frente al escenario: Libertad.
Espinita musical: Haberme perdido a Afghan Whigs en directo en los 90.
A las giras siempre te llevas… el pedal Cheese Source de Lovetone. Es mi arma secreta.

Menos es más. “Siempre aplico esa máxima no sólo a mi música, sino a casi todo lo que hago”. Y vaya si le funciona. Desarmante intimidad para un repertorio donde ningún movimiento es gratuito y la guitarra se presenta como protagonista principal. “He grabado con siete, casi, casi a una por canción”-. La clave: estar volcada en todo el proceso; desde la composición hasta la fabricación. Agotador. “Prácticamente hasta el día que lo tienes en la mano y compruebas que todo está correcto, no descansas”.

La veda se abrió en el invierno de hace cuatro años, cuando presentó ya en directo The Third, pero allí sonó como una pieza instrumental. Desde entonces, algunas canciones crecieron, otras se quedaron por el camino, y alguna, mucho más reciente, se coló finalmente en el estudio. “Hablan del perdón, sentimiento que se repite a lo largo de todo el álbum, junto al agradecimiento y la necesidad de superación. De alguna manera es lo que me ha permitido pasar página”.

Revela que muchas le salieron del estómago y que quizá tengan algo del blues más primitivo, “pero retorciéndolo a mi manera”. ¿Tu favorita? “Te diré que Weightless significó dejar atrás un periodo difícil, y le tengo mucho cariño. Tardé años en terminarla, en poder musicar una letra áspera y huérfana de melodía”.

Ainara sufrió una lesión de espalda que la mantuvo lejos de la carretera y su fiel sombra (la batería), Carlos Torero, se tomó unas “vacaciones indefinidas” respecto a la música. “Ahora, el proyecto, con Alfons Serra y Javier Díez-Ena, es más abierto y cambiante. Apenas ensayamos juntos (en parte porque vivimos a cientos de kilómetros de distancia), y he aprendido a disfrutar de lo improvisado, de la magia que aporta el no saber qué va a pasar cuando te subes a un escenario”.

Un lugar en el mundo. Una de las mejores salas de la ciudad. “Mi primer concierto con este proyecto fue en Moby Dick. Se puede decir que en ella inicié mi carrera en solitario. Aquel concierto se grabó y se convirtió en la demo que ganó el 5º puesto del Villa de Bilbao del 2001. Ese escenario es en el que me siento más a gusto”.

Gorka Elorrieta.

“Difícil a veces pero siempre cautivadora, a Ainara LeGardon le sobran fuerzas para insuflar de oxígeno lo que parece hueco [...] Ainara LeGardon, lo intrincado lo vuelve comprensible, haciendo engancharse a escuchar una y otra vez su último disco; anegando de maestría un trabajo indudablemente clásico.”

Ángel Del Olmo (Musicopolis)

“Nueve temas cuidados hasta el último detalle, sin estribillos pero con unas líneas melódicas muy definidas, constituyen el retorno de Ainara LeGardon por la puerta grande.”

(Grey Day)

“Con su mezcla de desesperación y rabia, LeGardon ha conseguido una voz propia en un mundo en el que muchas veces se tiende a seguir al rebaño.”

Almudena Zazo (Spinner)

“Un nuevo disparo sutil y doloroso.”

(Feiticeira)

“Folk anímicamente torturado y blues orgullosamente retorcido, entre silencios de ornamento y ambientación lujuriosa [...] Obra de difícil digestión primeriza pero gratificante en su aridez: el regusto que desprende su voz, a lo Maddy Prior, no se disfruta sin Alka-Seltzer de por medio.”

Kolega (El Mundo)

“Un álbum meditado, amargo y, sobre todo, virtuosista, en el que la guitarra es protagonista absoluta en unas canciones exquisitamente arregladas. Y es que si algo llama la atención, es el salto de calidad de la artista para con el instrumento (cómo toca, cómo se recrea), más allá de su más que apreciable faceta vocal y compositiva [...] Un caramelo deliciosamente agrio.”

(Sexto Hombre Digital)

“En ‘Forgive me…’ intensidad, voz y guitarra bastan a veces para atraparte, pero con batería (The death most desired) y añadido de armonio y contrabajo (I won´t forget), tamaña francotiradora emocional se hace irresistible.”

Ramón Fernández (El País)

“…Lo que en un principio provoca extrañeza al final suscita admiración. La sencillez aparente se torna en una complejidad musical al alcance de muy pocos artistas en nuestro país.”

Pau Salvá (Era Magazine)

“La conjunción de sinceridad, calidad y arte cobran en ella una dimensión al alcance de pocos músicos españoles”

Carlos Molina (Orpheo)

“Un nuevo golpe de efecto en la carrera de Ainara, un trabajo que la posiciona en un rincón inhabitado del panorama nacional y que le distancia años luz de otras propuestas de “cantautor” [...] Su capacidad artística es tan grande que una guitarra y su voz le bastan para hacerte estremecer. Entre los ruidos de la ciudad, Ainara habla bajo para que le escuches más de cerca. Y tiene mucho que decir.”

(Seis contra uno)

“Lo mejor que ha grabado desde 2003 [...] Poliedros sonoros levantados con unos pocos elementos cargados de fisicidad y expresividad. Y sentido.”

Pablo Gil (Rock de Lux)

“El disco definitivo de Ainara LeGardon, con el que ha dado un paso adelante en su música. Duro, áspero, sencillo, intenso… Adjetivos que definen un planteamiento único en nuestro país. No saldrá en las listas de los mejor del año de casi ninguna revista (el riesgo no es una palabra que le guste a la prensa), pero es de largo la mejor apuesta de 2009. A ella, desde luego, le encantan los retos. Y por eso, nos encanta.”

Pau Salvá (Era Magazine)

“O es ya una virtuosa o va camino de serlo. [...] Eso, en lo que se refiere a instrumentista, porque, en cuanto a su voz y madurez en su propuesta, ya puede mirar de tú a tú a artistas de su mismo target.”

Julio Ruiz (Disco Grande- Radio 3- RNE)

“Una de las mujeres con más talento que hay en este país. [...] Delicioso folk del de piel de gallina.”

(Los Hijos Bastardos de Henry Chinaski)

“Son nouvel album Forgive Me if I Don’t Come Home to Sleep Tonight sorti cette année est tout simplement excellent, intense et intime.”

“Su nuevo disco Forgive Me if I Don’t Come Home to Sleep Tonight publicado este año es simplemente excelente, intenso e íntimo.”

(Listen, see, feel)

“Outstanding.”

“Excepcional.”

(Common Folk Meadow)

“Fantastique, intime et généreux.”

“Fantástico, íntimo y generoso.”

(Noise Floor)

Foto de/ Photo by Alvaro Sanz

Geoff Farina writes about his show with Ainara LeGardon at Círculo de Bellas Artes (Madrid).

…Speaking of wonderful songs, everyone I met in Spain loves Ainara LeGardon, the musician that I was slated to play with in Madrid. Everywhere I went in Spain, folks said that she wrote inspired songs, played a mean guitar, and was quite a sweatheart, all of which I can now verify. Ainara and I shared beers, Bacalao, and tour stories at a Basque club before returning to the Circulo de Bellas Artes, the gorgeous theater in the center of Madrid where we were to perform. Ainara stepped on the huge stage with only her Fender Coronado and an old German tube PA amp, and proceeded to hypnotize me and 100 other fans for the next 45 minutes. She picked droning, distorted bass lines with her thumb and abstract melodies with her fingers, as her brooding lyrics reverberated through the Baroque hall. Her songs simmered and smoldered like the darkest Robert Pete Williams or John Lee Hooker, building up so much intensity but never quite reaching catharsis. When a song would finally explode it was for only a moment, and it would only hint at the underlying power of her music. I was entranced by the her performance and couldn’t wait to step on stage, and I ended up stomping and strumming as hard as I could and playing one of my best sets of the tour. People seemed to react to everything I played, and the event felt like some otherworldly conversation between the audience and myself. It had been the best show in a long time both for Ainara and for me, and her performance was an inspiration that would propel me through the coming weeks.

After the show we found each other backstage, and both seemed to recognize what we had exchanged: that rare feeling of working on something so weird, specific, and ineffable at home alone for many years, and then finding someone else halfway across the world who was also working on that same weird, specific, ineffable thing. But all we could do was smile and tell each other how inspired we were by each other’s performance. She also talked about some recent health problems that put her music on hold, and she thanked me for giving her the opportunity to get on stage again. She even told me how much she had loved Karate, which made me feel quite proud.

But it wasn’t the first time that I managed to spoil the moment with some social foible: When I asked Ainara if we could trade records, she said, “Didn’t I already give you this when I opened for Karate in Madrid?” Huh? How did I miss that? We had played together before and I couldn’t even remember meeting her! I figured out days later that said meeting had been during the aforementioned Karate tour of Spain, when the rest of the band had poured my ailing bones onto the stage and then into my hotel bed after the show. But I still had to confirm the truth: “I’m an asshole,” I replied. We both laughed and all was forgiven.

www.geofffarina.com

In 2003, Ainara started her own label, Winslow Lab, and co-founded Famelia (RIP): a Madrid-based association of self-released bands, indie labels and a recording studio. During 4 years, Famelia supportted the independent scene by putting on shows and tours, distributing numerous artists and contributing to seminars on the music industry and the “DIY” philosophy.

Ainara´s songs have been included in more than a dozen compilations, including “Borderdreams, La Ruta del Americana” (Dock, 2004), a double CD in which she is the only non-American musician among artists such as Townes van Zandt, Jay Farrar, Mark Eitzel, Friends of Dean Martinez,Centro-Matic, 16 Horsepower, etc… 

ABOUT HER TWO SOLO RECORDS:

“In the mirror”, considered one of 2003..s best albums by the Spanish media, was Ainara LeGardon..s solo debut, featuring Chris Eckman (The Walkabouts) on production duties and, among other guest musicians, Joe Skyward (Posies, Sunny Day Real Estate, The Walkabouts) on bass. It was released in Spain by Winslow Lab and distributed by Dock. Summer of 2004 saw the re-release of this record focused on the international market.

After extensive touring all over Spain (where she opened for Thalia Zedek, Tara Jane O´Neil, Dayna Kurtz, Chris Eckman and Karate), and also in France, Germany (supporting The Walkabouts), Belgium and Holland, her second album, “Each day a lie”, was released in April 2005.

Also produced by Chris Eckman, it was recorded at Estudio Brazil in Madrid (Feb-March 2005). Guest musicians include several artists from the Spanish independent scene, and Al DeLoner from the acclaimed Norwegian band Midnight Choir.

The record was received with excellent reviews by musical magazines all over Europe (Rock de Lux, Mondo Sonoro, Muzikalia, Bad Magazine, Undertoner, Fomp, Bokson, etc…), as well as the most known Spanish diaries (El País, El Mundo, La Vanguardia, etc…).

Ainara toured all over Spain, and she opened for Bonnie ”Prince” Billy & Matt Sweeney and Giant Sand.

In March 2006, Ainara played five shows in NYC, including a performance at CBGB..s and a showcase at Vox Pop with guitarist Jason Victor (Steve Wynn & The Miracle Three, Willard Grant Conspiracy). That year she also played two of the most important festivals in Spain: Primavera Sound and Benicassim International Festival.

In December 2007 she toured Italy. In 2009 she opened for Geoff Farina and Damien Jurado.

Her last album, entitled “Forgive me if I don´t come home to sleep tonight”, was released in Nov 2009.

She is currently working on a new record.

-“We once wished” por Raúl del Olmo (11)

-Guía de los mejores showcases del Monkey Week según Ruta 66 (10)

-Los mejores discos nacionales de la década- Ilike Magazine (10)

-60 discos para entender 10 años- Muzikalia (10)

-Best of 2009- Álbum folk nacional- Spinner (10)

-Mejores discos de Americana del 2009 para Monsosonoro (10)

-Los discos de 2009 para Era Magazine (Dic 09)

-Top 10 Redacción Mondosonoro (Dic 09)

-Discos de la semana en El Mundo.es (24 nov 09)

-Palabras de Chris Eckman (09)

-Palabras de Geoff Farina (09)

-Los 10 discos de mi vida según Ainara LeGardon para Mondosonoro (04)

-“Palabras desde un rincón de la gran ciudad”, Club Cultura (05)

-Entrevista a Famelia para MMAMM zine (04)

-“Realidades soñadas”, Tribuna de Salamanca (05)

Tras un primer sorprendente álbum de debut, Ainara LeGardon vuelve al tajo con “Each day a lie”, otra colección de canciones dolorosas e introspectivas en las que esta cantautora vasca reflexiona acerca del mundo en general y de su vida en particular. 

Ainara LeGardon es una de esas personas con la que da gusto conversar. Da igual que la hayas conocido hace sólo un par de horas, transmite una reconfortante sensación de familiaridad que inevitablemente te convierte en cómplice de sus proyectos. En realidad no parece la misma que esa mujer que con los ojos cerrados rasga con furia la guitarra cuando está sobre el escenario. La pasión rezuma por los poros de su piel mientras toca y hay quien asegura poco tiene que ver con esa chica universitaria que hace una década aterrizó en el mundillo independiente de la mano de los salmantinos Onion. De hecho, sin llegar a molestarle, evita hábilmente hablar de su pasado musical. Poco le importa haber grabado con ellos unos cuantos discos o haberse colado en un par de bandas sonoras, una de ellas la rentable “Abre los ojos”. Su mente parece exclusivamente centrada en su interesante carrera en solitario y con “In the mirror” consiguió poner de acuerdo a la crítica y agotar las existencias, algo no demasiado corriente en los tiempos que corren y menos cuando se opta por el háztelo-tú-mismo. Su segundo trabajo -de nuevo producido por Chris Eckman- supone otra intensa inmersión en su mundo, ése mismo que le ha ido curtiendo a lo largo de los años hasta convertirla en una tía que los tiene muy bien puestos. 

Comencemos por la elección del productor de tus dos discos. ¿Cómo entraste en contacto con Chris? ¿Eras fan de Walkabouts? 

Walkabouts es uno de mis grupos favoritos, pero el contacto con Chris y nuestra posterior colaboración surgió de manera muy espontánea. Tras un concierto de Chris & Carla en Siroco, en septiembre de 2001, empezamos a conversar y él se interesó por mi proyecto. Aquella fue una noche muy afortunada para mí. 

Supongo que es casi un sueño hecho realidad el que un músico reputado al que admiras acepte producirte… 

Todo este proyecto se está convirtiendo en pequeños sueños hechos realidad, comenzando por ése. Además, con los años Chris y yo hemos llegado a tener una relación de complicidad en el trabajo y de gran amistad en el terreno personal, lo que hace que me sienta, como decía antes, muy afortunada. 

Pero trabajar con alguien a quien admiras realmente creo que puede ser contraproducente para ti, puedes quedar “cegada” por sus opiniones… 

Actualmente la relación entre Chris y yo se encuentra en un punto tan fluido que no pienso en él como Chris Eckman, “el de los Walkabouts”, sino en mi amigo y consejero Chris. Quizá en un primer momento el hecho de abrirme a un desconocido al que admiro tanto, me hiciera sentir algo extraña. Decidí comenzar la preproducción de “In the mirror”, no hablando de los sonidos que buscaba ni de cualquier elemento técnico, sino contándole la historia en la que me inspiré para componerlo. Como te puedes imaginar, no fue fácil. Chris es una de las cuatro o cinco personas en este mundo que han escuchado la historia completa. Creo que aquello le hizo adentrarse más en mi proyecto e involucrarse de manera personal en él. 

Conociendo tu gran admiración por Mark Lanegan lo que me sorprendió es que no le eligieras a él para la producción… 

Bueno, contacté con Mark poco antes de conocer a Chris y le propuse producir el disco, pero su agenda por aquel entonces estaba repleta: su trabajo en solitario, pues estaba a punto de salir al mercado “Field Songs”, su colaboración con Queens of the Stone Age…. En el 2002 volví a encontrarme con él y le conté que ya había encontrado productor: su amigo Chris Eckman. Se alegró mucho por mí. 

Al menos tengo entendido que te ha llegado a mencionar en alguna entrevista… 

Así es, en Mondosonoro, hace un año más o menos. Hablando de nuestra frustrada colaboración decía algo así como: “Al final no pudo ser. Eso sí, he tenido la oportunidad de escuchar su música y me parece maravillosa”. 

Imagino que sería un motivo de auténtico júbilo para ti… 

Tengo la entrevista enmarcada. 

Me gusta ese punto de fan que conservas, igual que cuando se te ve cantando apasionadamente en las primeras filas de sus conciertos. Creo que es necesario, ol al menos conveniente, que los que de un modo u otro estamos vinculados a la música mantengamos algo de esa ilusión que, seguramente, nos ha convertido en lo que somos. ¿No echas de menos eso entre los músicos? 

Quizá esa carencia de emoción se deba a que algunos creen que hay que “mantener la compostura” y cuidar la imagen. A mí las composturas se me olvidan cuando estoy delante de algo que me está emocionando profundamente. Espero no perder ese punto de fan nunca. 

Para tu segundo álbum has vuelto a repetir con Chris, ¿por qué? ¿Ni te has planteado producirlo tú sola o hacerlo con otra gente? 

Bueno, me apetecía muchísimo volver a trabajar con Chris, su experiencia y su forma de abordar el trabajo me hace sentir muy cómoda, tanto en el periodo previo a la grabación, trabajando a distancia y reuniéndonos tan sólo esporádicamente, como en el estudio. Es clave en mi proyecto. 

¿No crees que, especialmente para una música tan intimista como la tuya, sería interesante oxigenarla con ideas distintas? 

¿Oxigenarla para qué o para quién? Yo creo que respira perfectamente. Para mí esa intimidad es lo que hace que sienta adrenalina y visceralidad a la hora de interpretar las canciones en un escenario, o de emocionarme al escucharlas. Es muy parecido a lo que siento con temas de otros artistas igualmente personales o intimistas. Las percibo de una manera especial, y aunque al principio soy consciente de que tanta sinceridad puede llegar a hacer sentir incómodo al oyente, al final acaban desencadenando sensaciones únicas. Es un risego totalmente asumible. 

A la hora de encarar “Each day a lie”, ¿cambiaste algo de tu forma de trabajo en el primero? ¿Alguna novatada que pagases y no quieras repetir? 

Claro que va ha habido novedades, pero no relacionadas con ninguna novatada. Simplemente en este disco se plasmará la evolución lógica que he seguido artística y personalmente en estos últimos dos años. La banda que me acompañará en el disco también ha sufrido algún cambio, por lo que suena diferente. 

¿Puedes concretar un poco? 

“Each day a lie” es más crudo y denso que “In the mirror”. Es como si quisiera evolucionar dejando atrás todo lo que inspiró el primer disco y basándome en lo real, en lo orgánico, en la necesidad de asumir una realidad distinta a la esperada aferrándome a lo tangible… pero no pudiera. Instrumentalmente es más eléctrico. Las imágenes, tanto musicales como en cuanto a los textos, son directas y concisas, y en parte eso lo hace más oscuro. La idea de necesitar sentir cierto tipo de dolor está presente en todo el disco. Por eso, sin “In the mirror” no podría haber nacido este nuevo trabajo en los términos en los que está concebido. 

Pero esas novedades no significan que no quedaras satisfecha con tu debut, ¿no? 

Quedé totalmente satisfecha. 

Bueno, es ago que se suele decir, aunque en realidad casi ningún músico suele escuchar sus discos porque sólo ve los defectos, ¿te pasa eso a ti?

Me ha pasado con discos anteriores, como a todo el mundo, pero curiosamente no con “In the mirror”, ni ahora con “Each day a lie”. Me suele gustar escuchar “In the mirror” cuando viajo. Refrescar mi memoria mientras veo pasar los paisajes a través de la ventanilla de un tren me reconforta de alguna manera extraña, aunque después me quede con un poso melancólic, que por otro lado es único. Como te decía antes, algo me hace sentir la necesidad de sufrir cierto tipo de dolor de vez en cuando. 

A los músicos no os gusta que se os compare con otros, pero voy a hacerlo… En este nuevo trabajo he detectado cierta conexión con PJ Harvey, ¿me ha jugado una mala pasada mi imaginación? 

Bueno, eso es algo que me llevan diciendo desde hace tiempo, especialmente después de verme en directo. También me comparan con Patti Smith… No sé, yo me veo mucho más cercana a Songs:Ohia que a PJ Harvey, pero vosotros sabréis… 

¿Y qué te llevó a lanzarte en solitario? ¿No estabas satisfecha con Onion? 

No, no tuvo nada que ver. De hecho la disolución de Onion es posterior a la grabación de “In the mirror”. 

Supongo que es muy distinto trabajar sola o en grupo… 

Lo es. La responsabilidad en la toma de decisiones, tanto artísticas como económicas, y el trabajo que entraña estar al cargo de Winslow Lab recaen sobre mí -para lo bueno y para lo malo- pero es una fórmula de trabajo que está dando resultados muy positivos y con la que me siento muy a gusto.Mi experiencia me ha enseñado que en el ámbito musical la democracia te lleva a tomar decisiones en ocasiones desacertadas.De todas formas, en estos momentos, me siento muy respaldada por la banda, por mis compañeros de Famelia, y como he dicho antes, también por Chris. 

Lo que parece es que no te afecta demasiado actuar sola, parece como si no necesitaras el arropo de una banda… 

Depende del lugar y las circunstancias. La banda me acompaña siempre que es posible, pero hay ocasiones en las que he de subirme sola al escenario. Cuando esto ocurre, no tengo ningún problema. Me siento cómoda igualmente, sólo hay que elegir el repertorio adecuado. 

Estamos acostumbrados a que los artistas que interpretan solos lo hagan con acústica, ¿por qué lo haces tú con eléctrica? 

Me siento más cómoda. Así puedo rockear un poco… (risas). 

Volvamos a “In the mirror”, parece que es una especie de álbum conceptual… 

Así es. Las diez canciones son capítulos de una misma historia y están ambientadas en un mismo lugar. 

Incluso la portada esconde una historia, ¿no? 

La portada está compuesta por cuatro polaroids que complementan visualmente la historia contada en el disco. Las dos primeras se refieren a la canción que abre el álbum, “In the mirror”, y las dos últimas a la que lo cierra, “14 Hours”. 

¿Puedes contarme algo más de la historia? 

Escucha un par de veces más el disco, cierra los ojos y luego me la cuentas tú. 

Ya te vale, no hay manera de tirarte de la lengua… Por el off the record, que respetaré escrupulosamente, sé que escribirlo fue casi terapéutico para ti. 

Mucho, aunque no me di cuenta hasta que lo había terminado. 

Y en este nuevo trabajo, ¿hay también una historia detrás? ¿Hay una conexión entre ambos? La portada al menos así parece indicarlo. 

No una historia, pero sí la misma idea como hilo conductor a lo largo de todo el disco. Voy a ser buena contigo y te voy a desvelar un hecho importante que está presente y que tiene mucho que ver con las letras áridas y el sonido, también árido, de algunos temas, y con esa conexión entre ambos discos por la que preguntas. En “Each day a lie” hay un viaje. Una larga travesía para la cual me preparé y que nunca llegué a realizar físicamente, pero soñé con ella tantas veces que es como si la hubiera realizado. “In the mirror” es también un viaje, una búsqueda que duró cinco años y que me llevó a descubrir muchísimas cosas, entre ellas lo importante que era para mí hacer ese disco.Respecto a la portada, ciertamente indica conexión. La idea es continuar, al menos un disco más, hasta cerrar un círculo. 

¿Y la temática del fin de la trilogía está ya decidida? 

Me temo que se decide sola… y por ahora lo voy teniendo claro, aunque nunca se sabe. 

¿De dónde sale el título “Cada día una mentira”? 

De la sensación de sentirse un tanto engañado y de descubrir que por más que pase el tiempo y por más que uno crea que ya ha superado ciertas cosas, nunca ha aprendido lo suficiente como para esquivar el mundo. 

Lo cierto es que parece que vivimos en un mundo cimentado en la mentira. ¿A qué te agarras para superarlo o al menos no pensar en ello? 

No creo que la solución sea no pensar en ello, sino precisamente todo lo contrario: ser consciente y esperar esa mentira que llega cada día. Estar preparado para afrontarla. Todo esto enlaza de forma muy estrecha con el tema de la industria musical: he sentido tantas veces que se me estaba ocultando o maquillando la realidad, que he decidido estar preparada para ello. El sentirme tan implicada con la autogestión tiene mucho que ver con el deseo de no dejarme engañar más por otros en este terreno. 

Por eso acabas entonces autoeditándote… 

No es que haya “acabado” autoeditándome, sino que he “empezado” autoeditándome. Existe otra forma de hacer las cosas que, aunque requiere más esfuerzo y trabajo, te permite controlar tu proyecto y encaminarlo hacia donde verdaderamente desees, sin interferencias. Se llama autoedición. 

Supongo que lo vas a volver a hacer con este disco… 

Sí. De momento las cosas funcionan muy bien de esta manera. Quizá en un futuro me abra a otras posibilidades, pero aún no conozco contrato discográfico con mejores condiciones que las que yo misma me ofrezco y capaz de hacerme cambiar de opinión…

Ya cuando estaba al frente de Onion, quedó clara la querencia de Ainara LeGardon por los sonidos evocadores, nostálgicos y fronterizos de gente como Cowboy Junkies o American Music Club (más por los primeros, por motivos obvios, que por los segundos); ahora, con `In The Mirror´, su debut en solitario, Ainara consolida esa filiación americanizante y además se adentra, con derecho propio, en la escena extramuros: esto es, aquellos que, alejados de Nashville o Arizona practican la música americana. Hay más ejemplos. Aunque grabado en Madrid por músicos españoles, `In The Mirror´ ha sido producido por Chris Eckman, responsable del estupendo sonido del álbum, decadente y polvoriento. Disco breve (treinta y tres minutos) se dan cita en este emotivo diario sentimental una colección de canciones preciosas, casi todas redondas (`Dreamin´ about you´, `I Saw The Light´, la desnudísima, magnífica, `The Day´, `Love in a Box´) donde Ainara, aún con resquicios del sonido de su banda, logra destacar, con personalidad, con actitud y elegancia, en un panorama curioso, que usa las tristezas del desierto yanqui como reflejo de nuestras propias tristezas.

Fernando Navarro – IndyRock

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-Ruta 66 (10)

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-Orpheo (09)

-Mundomusica (09)

-Web del Ayuntamiento de Barcelona (09) (Catalá/Catalan – Castellano/Spanish)

-La Mediterránea (08)

-Mondosonoro (05)

-Muzikalia (05)

-Pop Page (05)

-Desentrañando la mentira cotidiana, Ruta 66 (05)

-Feedback-zine (05)

-Diario Levante (05)

-Era Magazine (05)

-Metronome Music (05)

-Nosoloemo (05)

-Feedback-zine (04)

-Valladolid web musical (04)

-Entzun (03) (Euskera/Basque)

“Ella es capaz de golpear los corazones del público con unas letras y música que sobrecogen por momentos, capaz de hacer de un concierto algo maravilloso, capaz de convencerte para escuchar su disco con los ojos cerrados y apagar la luz que otros se dejaron encendida, capaz de hacerte recuperar sentimientos olvidados con cada nota de su guitarra”.

 Alfonso Viruete (Era Magazine)

“La intensidad de los matices y texturas que emanan de esta colección de historias musicadas sólo es superada por la intensidad de los sentimientos que provoca la escucha de este disco”. 

Rafa Angulo (Mondosonoro)

“Diez canciones de amor y desamor henchidas de desesperación y dolor, una representación tan física del sufrimiento que hay que ser de hierro para no identificarse con ella”. 

Jesús Rodríguez Lenin (Rock de Lux)

“A lo largo de las diez composiciones, y desde el más puro y elegante intimismo, Ainara LeGardon estremece al oyente, lo introduce en el particular universo de “In The Mirror” y le hace desdeñar la más ínfima posibilidad de huida de un disco cuyo más remoto recoveco derrocha la más pura desolación”.

Eduardo Pérez (www.monocromo.org)

 “Un disco, al igual que la emoción que retrata y disecciona, malsanamente adictivo”. 

Enrique Martínez (www.feedback-zine.com)

“Un trabajo musical de envergadura y digno de elogio”. 

Iosu López (www.terra.es)

“Una artista que tiene voz, corazón, delicadeza, sinceridad y toda una carrera musical digna por delante”. 

Pez (www.cuantoyporquetanto.com)

 “…canciones que consiguen que la saliva se agolpe en la garganta”. 

Josemi Valle. (www.espectacularia.com)

“La suya es música lánguida, doliente e hiriente, con algo que recuerda a los hermosísimos diálogos de guitarra y batería de la Durruti Column de Viny Reilly. Canciones que llegan al alma”. 

Jesús Rodríguez Lenin (El Mundo)

“Un trabajo que huele a desierto, a arena, pero también a derrota y, sobre todo, a honestidad. (…) Un disco excelente que sobresale entre la producción nacional del pasado año”.

Juan Ramón Prado (Moonpalace)

“Inspiración, valentía y el sonido adecuado a las pretensiones de una cantautora casi inédita por estos lares”.

César Luquero (Mondosonoro) 

“Produced by Chris Eckman (The Walkabouts), the debut of Basque singer Ainara LeGardon is a music travel from Spain to Ljubljana with the clothes of Thalia Zedek or Carla Torgerson. Sad but intense music”. 

(www.rateyourmusic.com)

“LeGardon chooses intimacy, if not desolation, to tell stories tarnished by a cursed disenchantment, on some occasions only hinted at, on others more concrete”. 

Marco Delsoldato (Losing Today)

“’In The Mirror’ is the reflection of the deepest feelings expressed with feminine gentleness”. 

(Sugar and Spice)  

“Dos años después (de “In the mirror”), el mundo que representa sigue lleno de dolor y sufrimiento, y la música que lo sostiene continúa siendo dramáticamente bella en su sencilla desnudez”. 

Jesús Rodríguez Lenin (El Mundo) 

“Capaz de congelar al más fuerte. Más eléctrico, más híbrido Harvey- Cave, caso de “Hope Defeated”, más propio de banda sonora de David Lynch gracias a maravillas como “Last Of Your Hopes”, y más descriptivo que el anterior, gracias tal vez a la capacidad que Ainara posee para zambullirse en unas historias de las que cualquier ser humano querría salir cuanto antes. Tanta valentía asusta”. 

Rafa Angulo (Mondosonoro)

“Ainara ha conseguido una obra que sobrecoge, emociona, turba, inquieta; un disco que trasciende las etiquetas que se le podrían colgar (post blues, folk, americana) para llegar directo, lucido, sin alardes, al corazón mismo del oyente”. 

Fernando Navarro (www.indyrock.es) 

“La banda sonora de una historia con verdades, mentiras y dolor. Ainara se supera a sí misma situándose a la cabeza del folk-rock de factura nacional con un trabajo intenso, hipnótico y oscuro. Cautivadora”. 

Luis Moya (www.muzikalia.com) 

“Cuando alguien recoge un retazo de su vida y lo hace universal, cuando consigue que haya gente que se identifique con esa vivencia y le duela o le alegre como le dolió o alegró a su creador, esa persona está haciendo arte. Muchos componen canciones, pero no tantos son artistas. Entre esos pocos, está Ainara LeGardon (…) Una artista que hace de sus latidos voz y música, poesía y sentimiento”.

Carlos Molina (Orpheo) 

“Durante los 35 minutos que dura este disco, no hay un solo segundo que no sea sobrecogedoramente inquietante”. 

H. (www.valladolidwebmusical.org)

 “Con una voz suave y a la vez cruda, llena de matices que van desde el cálido bienestar hasta la amarga derrota, Ainara es la verdadera protagonista de su música, cantando, rasgando su guitarra, y el sentimiento de los presentes (…) El disco es sencillamente genial. El directo, una muestra de sensibilidad, cara a cara”. 

Mariano Regidor (www.nosoloemo.com) 

“Un disco nacido de una incontenible necesidad. Necesidad humana”. 

Jesús Miguel Marcos (www.heineken.es) 

“Nueve canciones sutiles y emocionantes, que traen la música de raíces americana más desnuda para revestir historias sugerentes, no inocentes sino incisivas, con la crudeza del folk o la cadencia del blues bajo el aprendizaje rokista”. 

Juanma García (Bad Magazine) 

 “`Each day a lie´ obliga a respirar y a tragar saliva”. 

César Luquero (Todas Las Novedades) 

 “Una obra de enorme calidad que confirma a Ainara LeGardon como la artista excepcional que es. En su segundo disco en solitario se acerca al sonido “rock de autor” de Neil Young, consiguiendo un resultado más denso, oscuro, intenso, emotivo y, pese a ello, equilibrado”. 

Daniel Dorado (Generación 21) 

“Desde la desnudez de una guitarra obsesiva y minimal, con el apoyo de su ya habitual Carlos Torero en batería más la discreta presencia de bajo o violín, Ainara dispara algunas de las emociones más intensas y pasionales  que puedan descargarse hoy día desde un escenario. A veces lírica y doliente, a veces tumultuosa y enrabietada, la hermosísima voz de Ainara siempre es un arma turbadora dispuesta en el pecho del oyente desmenuzando impudorosamente  tristeza y dolor”. 

Juan Mari Montes (La Gaceta de Salamanca) 

 “La escucha más emocionante e intensa que se pueda imaginar. Un disco en carne viva. Una absoluta obra maestra sobre la soledad y la desesperanza. Imprescindible”. 

Chema Segovia (www.pop-page.com) 

“`Each Day a Lie´ es otro privilegiado mirador, sin excesivas barreras de protección, a ciertos abismos. Ya está más que descrita la paradójica y magnética atracción que estas simas provocan en algunos. La pregunta es: ¿te dejarás caer?”. 

Enrique Martínez (www.feedback-zine.com) 

“Hipnótica, oscura, honesta y real se vale de todo tipo de recursos para dar forma a un discurso de calidad y que ojalá reciba el reconocimiento que merece. Estas pequeñas perlas negras, pulidas y a la vez abruptas se cuelan por las rendijas de los sentimientos. Instantes como A second of… hacen que la fe en la música de Ainara LeGardon no sea ninguna utopía”. 

Carlos Azufre (www.thebellemusic.com)

“De la alternancia entre los sonidos emocionantemente intensos y algunos momentos chispeantes, pasa a decantarse por su lado más intimista y sereno, creando un conjunto de canciones que te mantienen en una placentera tensión durante su escucha, una cualidad que Ainara LeGardon domina a la perfección”.

Alfonso (www.mmamm.net).

 “Vuelve a derrochar honestidad en un álbum que la confirma como uno de los mayores talentos españoles de la canción de autor en clave de folk-rock”. 

Ibai Villapún (Mondosonoro) 

“Una forma de expresar su mundo interior transformado en música, con raíces estadounidenses, rock y una voz que emerge desde lo más profundo para golpear directamente nuestra más que maltrecha sensibilidad. Te atrapa y te seduce.” 

Pau Salvá (Era Magazine) 

“Hay en sus canciones sentimientos encontrados, cierta angustia existencial que requiere ser explicada, apenas susurrada con la calma que otorga la conciencia del que se sabe condenado”. 

Rafa Martínez (La Vanguardia)

“LeGardon sube ahora la apuesta con “Each Day A Lie”, viaje al corazón de la tormenta donde guitarras, órganos, lap steels, violas, violines, armónicas y harmonios se confabulan para recorrer los acantilados del alma. A medio camino de las brumas nocturnas de Nick Cave, la pulsión eléctrica al ralentí de Lucinda Williams y el magnetismo vocal de PJ Harvey, la cantante y compositora se mueve con magistral soltura por terrenos intimistas e introspectivos (“The Winter Sun”), reduce las composiciones a poco más que esqueleto (“Each Day A Lie”) y dosifica la tensión con gotero manteniendo al oyente en un vilo perpetuo (“Last Of Your Hopes”)”.

David Morán (Rock de Lux) 

“Con la producción de Chris Eckman (Walkabouts), hila retazos de cruda realidad y catarsis vital que expele con gran pasión”. 

J. F. León (El País) 

“De ses chansons frêles Ainara ne garde que la colonne vertébrale, privilégiant l’instant à la durée, portant les mots avec la délicatesse d’un porteur de pierre précieuse”. 

Gerald de Oliveira (A Decouvrir Absolument) 

“From the excellent opener, Hope Defeated, the musical path is laid forth, and it is followed to perfection. (…) In general LeGardon´s compositions are characterized by seeming extremely rich in sound and almost every song reeks of a necessity, which cannot be denied. LeGardon needs to sing them, and we need to listen”. 

Kasper Wurtz (Undertoner) 

“In “Each Day A Lie” c’è dell’altro: se non bellissime canzoni in senso assoluto (il substrato malinconico è talmente spesso che coprirebbe eventuali orpelli smaccatamente pop), quantomeno un’atmosfera gravida di infinita nostalgia espressa con garbo e raffinatezza, che colpirà al cuore gli ascoltatori maggiormente predisposti a certe ambientazioni fosche.”

Aob (Munnezza.it)

Fotos y video de/Pics and video by Alvaro Sanz

17/08/05 Monasterio Sta. María de las Cuevas, Sevilla (Centro Andaluz de Arte Contemporáneo).

En su primera edición, el ciclo de actividades Nocturama sigue dando muestras del cuidado y empeño puestos en la elaboración de su interesante y atractivo programa. Además de una atrevida muestra de cine japonés (julio) y africano (agosto), y las exposiciones de arte habituales en el CAAC; sobre el escenario hemos tenido la oportunidad de descubrir talentos emergentes (Salieri), confirmar el buen hacer de otros ya habituales en la familia (Sr. Chinarro), y validar nuevas propuestas que ahora comienzan a tomar impulso (entre otros, estarán Árbol y Remate).

No sólo eso. Reservo el mayor de los elogios a la elección del lugar donde se celebra. Que por una vez me sirva lo aprendido en la universidad para reivindicar el Monasterio de Sta. María de las Cuevas como uno de los puntos más enigmáticos y fascinantes de la ciudad de Sevilla. Obviado y menos tenido en cuenta de lo que se debiera, pocos lugares reflejan mejor el espíritu de la capital hispalense. Desde su fundación como área conventual durante la Edad de Oro, siempre ha participado en la evolución histórica de la ciudad y, a pesar de su carácter heterogéneo y fragmentario, se ha convertido en espejo coherente y sincero donde ver reflejado el devenir de Sevilla. Sus hermosos jardines, el silencio de la iglesia, salas de oración y resto de dependencias de los monjes, la imponente siembra de chimeneas que sirvieron a la fabrica de cerámica durante la revolución industrial, los edificios destinados a la gestión de aquella fábrica, las remodelaciones necesarias para convertirlo en centro de arte contemporáneo… testigos de diferentes momentos conviven respetuosamente en este increíble calidoscopio histórico. En las cálidas noches de verano andaluz es imposible no dejarse atrapar por su hechizo y misterio, dando lugar a un ambiente realmente mágico y subyugante. Estos días, de miércoles a sábado, no hay mejor sitio donde pasar las noches en toda Sevilla. Hay que vivirlo.

En este marco, la actuación de Ainara LeGardon encajaba como pieza de puzzle. La cita era ineludible, porque por bien que abra la boca para hablar de las mil y una maravillas que colman su nuevo álbum, “Each day a lie”, revalidar su emoción y sinceridad sobre el escenario era complemento imprescindible.

Acostumbrada a la mutabilidad de la banda que la acompaña, en esta ocasión Ainara encaró al público ella sola. Guitarra en mano y con el único respaldo de “Madre e hijo”, película elegida por ella misma. Los planos estáticos de sus desmaterializados paisajes naturales componían un enrarecido lienzo de fondo sobre el que el folk de alcoba de Ainara dilataba su alcance.

Si una palabra me resulta imprescindible para hablar de la presencia de Ainara sobre el escenario ésa es ‘autoridad’. Sin dejarse amedrentar por la magnitud de sus confesiones, mide y acota con precisión y seguridad el peso de la carga. No hay falsos aspavientos, ni mordiscos ciegos. La calma y solemnidad con las que desnuda sus miedos y heridas poseen una sobrenatural honestidad que aparta de un manotazo cualquier atisbo de morbo. No existe el orgullo exhibicionista. El exorcismo de Ainara LeGardon sólo pretende ser sincero con ella misma y no deja espacio para el estúpido regocijo del público identificándose desde la distancia con la tragedia ajena. No se busca la lágrima o el escalofrío, la experiencia no se magnifica ni se disfraza, y no se dan más explicaciones de las necesarias. Todo sale del más profundo rincón de Ainara, todo es por y para ella, y es eso lo que atrapa y acongoja de forma brutal.

Centrando la primera mitad del concierto en su debut “In the mirror”; ‘I saw the light on’ (me encanta el chorreón de inflexiones de su estribillo), ‘This feeling true’ (ésta huele a western), ‘On the verge of tears’ o la propia ‘In the mirror’ (la tensión aquí se amordaza con perfección) dieron muestras de qué estacas utilizó Ainara para delimitar su parcela. Y dando comienzo con el campanario del monasterio marcando la hora punta, la mirada a “Each day a lie” –en mi opinión, superación absoluta de su predecesor- confirmó la solidez de un talento a estas alturas incuestionable.

A pesar de perder algo de la asfixiante atmósfera que el resto de la instrumentación construye, sólo limpiando las guitarras y con cuidadosa dicción, las canciones se muestran versátiles, adquiriendo una intensa claridad que impresiona por su austeridad. Incluso ‘Each day a lie’ despojada de sus portazos de batería se clavó en lo más profundo.

Un espectáculo puro y valiente, sin máscaras ni disfraces, intensamente apasionante. Magnífico concierto que Ainara cerró dedicándolo con modestia a su madre.

Seretuespejo, Pop Page.

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¿Qué significa para ti “Each day a lie”? 

Un reto.                              

El art-work comparte la misma idea que “In the mirror”: Predominancia del negro sobre el que se superponen limpiamente fotografías de texturas o marcos estáticos, con cierto carácter doméstico e incluso algo lóbrego. ¿Por qué decides vestir tus discos de esta manera? ¿De qué forma crees que habla el envoltorio sobre el contenido? 

No hay envoltorio y contenido, hay un todo. Las polaroids que ilustran las portadas están tomadas en los lugares que inspiraron las canciones. De alguna manera, la gente puede ver los entornos o sensaciones que describo a través de la música, incluso algunos momentos clave en la fase de creación. 

El libreto incluye la trascripción de las letras, tengo que decir que absolutamente formidables en cada una de sus líneas. ¿Cómo entiendes el papel de la palabra en tu música? 

Para mí tienen igual importancia las palabras que la música. Unas y otras se complementan, llegando a transmitir lo que por sí solas no podrían. De hecho, uso las letras como un arreglo musical más: por ejemplo, hay estrofas que se repiten constantemente (“Each day a lie”), canciones en las que los estribillos son instrumentales (“Last of your hopes”) o carecen de palabras (“Needed”). 

Lo importante es que el conjunto de la canción transmita unas sensaciones concretas al que escucha. 

¿Qué es para ti escribir una canción? 

Crecer, cambiar. 

Tus letras parecen fuertemente arraigadas en la experiencia propia, alguno incluso dudará hasta que punto son autobiográficas. ¿De qué manera se refleja tu individualidad en tu música? 

Son una parte de mí, pero sólo eso: una parte. Afortunadamente, al sacar esas historias fuera de mí en forma de canciones, he aprendido a mirar hacia delante y encarar el futuro de manera positiva. La melancolía y el resentimiento que puedan subyacer en ellas se han transformado en belleza. No soy una persona atormentada, sino feliz. Muy feliz. 

Intentemos diseccionar el disco tema a tema. La escucha se inicia con ‘Hope defeated’. Me gusta la manera en la que la instrumentación se traba a medida que aparece tu voz. La forma en la que esta canción se mece. La languidez que tiene me sugiere cierta derrota irónica expresada en las letras. ‘Must’ve learn how to suffer before wishing this pain’. En una frase como ésa pareces frivolizar de alguna manera con el pesimismo y descontento en el que sumerge la decepción. Es algo así como lo de ‘a perro flaco todo se le vuelven pulgas’… 

Esa frase describe el momento en el que sólo sientes el dolor, te culpas una y otra vez por haber deseado sentirlo, y no eres capaz de ver que más tarde o más temprano llegará la calma. Con ella habrás aprendido algo, e incluso te habrás convertido en una persona diferente. 

“Hope defeated” está escrita en esa fase dolorosa del proceso autoimpuesto y, al mismo tiempo, inevitable. No es derrota lo que siento, ni mucho menos. Es un primer paso hacia la cura. 

En este tema encuentro algo que me entusiasma. Es como si estuviera formado por distintos niveles de profundidad. Tras la instrumentación principal, en distintos planos, asoman entrecortados ruidos y sonidos sordos. El tema se dilata inquietantemente en sí mismo… 

Así es. Es una de las características que más me gustan del tema a mí también. La armónica de Al DeLoner (tocada a través de un ampli) se acoplaba en ciertos momentos, creando esos sonidos a los que te refieres. 

Una curiosidad respecto a esta canción. Ha sido elegida para figurar en “Cómete Madrid”, recopilación dispersa en la que no deja de destacar. ¿Por qué se eligió ésta? ¿La consideras de alguna manera representativa del resto de “Each day a lie” o fue elegida con otras intenciones? 

Quizás a día de hoy hubiera elegido otra (“Each day a lie”), pero en el momento de realizar la selección todavía no era capaz de ver el disco con perspectiva. Creo recordar que aún se estaba masterizando cuando elegí el tema. De todas formas, sigue pareciéndome una buena carta de presentación. Además, la colaboración a la guitarra acústica de Hannot Mintegia (Audience) en mi opinión es perfecta, dota a la canción de un toque mágico, al igual que la armónica de Al. 

‘The winter sun’ tiene una melodía matadora. La manera en la que cantas el estribillo (¿se le puede llamar así?) tiene una calidez absolutamente fantasmal e inquietante. La historia que cuenta parece funcionar de igual manera. ‘Let it freeze the winter sun’. Un sol frío y apagado, pero en fondo reconfortante… 

Me acabas de poner otro ejemplo en el que el estribillo no acaba de ser tal. Me gusta jugar con eso.

La letra es muy descriptiva, es un agradecimiento. Un reencuentro con las raíces perdidas. 

Creo que ‘Dry years’ fue una de las primeras en pillarme. Un reproche agrio y silencioso. Suenas áspera y seca, y reclamas la atención que te deben. Sobre todo, se mantiene segura y templada, sin perder en ningún momento la calma. Me encanta la actitud que tiene… 

Fue la primera que compuse después de la grabación de “In the mirror”, que fue en enero del 2003. Escribí “Dry years” en un tren, el 5 de marzo de ese año. 

Es una de las canciones que más desnuda quedó en la grabación. Tan sólo hice un par de recordings: unos acoples de guitarra y un arreglo con la eléctrica en uno de los instrumentales, que salió de forma casi improvisada. Lo demás quedó tal cual: batería, guitarra y bajo grabados en directo, como solemos tocarla en un escenario. En concierto es una de las que más magia desprende, quizá precisamente por eso. 

‘Each day a lie’ es asfixiante y claustrofóbica. La rotunda manera en la que gotea la seca sección rítmica y el quebradizo arpegio de guitarra sobre los que se articulan son absolutamente desesperanzadores. La forma en la que se apaga, quedando solamente la batería… Este tema hiela la sangre… 

El trabajo de Carlos Torero a la batería es impresionante, expresa perfectamente las sensaciones de las que habla la letra. La línea de guitarra es un único arpegio que se repite a lo largo de todo el tema, meciendo las palabras, y el bajo (tocado con e-bow) es quien dirige la armonía, pero permaneciendo estable a modo de colchón. Así tenemos que la guitarra, el bajo y la manera de cantar funcionan como magnetizadores, llevando al oyente hacia un sueño del que la batería y las ásperas palabras le despiertan constantemente. 

Además, da título al álbum. ¿Por qué es así? 

Simplemente me pareció que esa frase resume perfectamente el contenido del disco, me gusta su rotundidad.                                                          

El tema del engaño y la mentira es omnipresente en el álbum… 

Así es. Las mentiras con las que me he encontrado y no he sido capaz de sortear, y aquellas que me ha gustado creer y crear a lo largo de estos años. 

Otra de mis preferidas, ‘Last of your hopes’. La esperanza y la desilusión son otras de las claves de este disco. Este tema es desolador, otro reproche acre e impotente, con una sentencia desesperada: ‘Why don’t you love me as if I was the last of your hopes? You’re the last of mine’… 

Tú dices esperanza y desilusión. Yo digo desesperanza e ilusión. Esa sentencia que destacas no es ningún reproche, sino una llamada de atención. 

Las tenues distorsiones con las que se siembra y una cadencia un tanto fría y violenta la dotan de cierta ‘mala baba’… 

No es “mala baba”, sino un grito desesperado que se convierte en algo violento. Quizá sea la más insana de todo el disco. 

‘Real’ es el remanso tranquilo del disco. Aquí hay una frase que me llama especialmente la atención, y es la que la cierra. Preguntas: ‘Will that song remain till my blood runs dry?’… 

Encontrar las respuestas adecuadas en un momento de incertidumbre resulta  reconfortante y, en ciertos casos, vital. Esas respuestas pueden provenir de una canción, de un amigo, de una lectura, de una simple imagen… Incluso pueden haber estado dentro de nosotros sin revelarse. Una vez encontradas, desearíamos mantenerlas para siempre frescas en nuestra memoria, pero a veces se nos resbalan y hay que buscarlas de nuevo. Ese deseo de permanencia es al que me refiero en esa frase. 

El ritmo marcial apagado de ‘Needed’ y la sequedad de la viola y el órgano la despegan del suelo. El tema resulta algo ingrávido y etéreo. Deja cierta sensación de vacío y soledad… 

Efectivamente, el tema está escrito en un momento de vacío y soledad. Como bien dices, hay elementos que la convierten en una canción ingrávida, incluso las voces agudas están respaldadas por un ruido fantasmagórico (creado por Javier Ortiz con un Korg Mono/Poly) y reverberadas en extremo con ese fin, el de despegarlas del suelo. 

Esa sensación me recuerda por momentos a las canciones más etéreas de Black Heart Procession, con sierras y sonidos sombríos. 

En ésta te castigas duramente con frases como ‘I’m not enough to deserve your smile or you kiss, or your look in my eyes’. ¿De dónde surgen sentencias tan duras como ésta? 

De una revelación de la realidad, como casi todos los temas de este disco. 

¿Cómo te sientes al descubrirlas y hacerlas públicas? 

No más desnuda que con otras frases que ya había escrito. Y mejor, mucho mejor. 

No quiero resultar impertinente ni frivolizar pero, bromeando un poco, ¿qué sientes cuando re-escuchas temas como éste interponiendo tiempo y distancia? ¿Nunca has pensado ‘cómo se me ocurrió decir esto’? ¿La gente más cercana a ti no se preocupa un poco? 

Soy totalmente consciente de lo importante, necesario y saludable que es para mí componer canciones, y creo que ellos también. 

‘A second of…’ tiene una frase que asusta: ‘You’re as dead as the one who can’t be further away’. El arrebato eléctrico y la maraña de distorsiones final son pura rabia contenida. A lo largo del tema se maneja el baremo de intensidad con una seguridad avasallante, acumulando una tensión escalofriante. En momentos como éste asusta el arrojo y decisión que demuestras… 

Otro de los elementos con los que nos encanta trabajar es con la intensidad. Esta canción es el ejemplo perfecto de ello. Va creciendo y menguando, así hasta llegar a un punto totalmente descontrolado en el último instrumental. Cuando la intensidad decae para apagarse definitivamente, si te fijas puedes escuchar un ruido extraño. Es una lámpara que se cayó detrás de Carlos en aquella toma. Pensamos que aquello formaba parte de lo que estaba ocurriendo en la sala de grabación en aquel momento y, ya que nuestra idea es la de capturar y plasmar lo más fielmente posible esos instantes, así quedó en el disco.                                                                                  

Y por último ‘Without’. Pienso que resulta un cierre magnífico para el disco por actuar a modo de cámara de descompresión. Su desolación y volatilidad guardan tibieza y abrigo. Tremendas palabras con las que acabas: ‘the right words for this desert with no end in sight’… 

Esa frase se refiere exactamente a las mismas palabras de las que hablo en “Real”: las respuestas necesarias para preparar un largo y arduo viaje hacia la aceptación de la realidad. 

Coincido contigo en la apreciación de que actúa como una buena conclusión, un buen cierre. Las notas del lap steel, lentamente diseminadas en los estribillos, los cascabeles de fondo y el armonio manteniéndose constante hasta un ligero y casi imperceptible cambio final, la convierten en una de las canciones más hipnóticas del disco. Cuando termina, la sensación es incluso de alivio.

Cada día una mentira. La confianza es siempre el último clavo ardiendo al que aferrarse. Cuando de ésta no queda nada, irremediablemente, el mundo comienza a desmoronarse lentamente, arrastrando consigo nuestra vida entera. La desconfianza se alimenta de desconfianza. Cuando ésta acaba por engullirse a sí misma, queda la desesperanza. La desesperanza de la soledad y la rabia de la desesperanza. La desesperanza es una herida abierta que cicatriza ferozmente a base de sal. Luego llega el amplificado eco de cada grifo que gotea. Caminar balanceando tu cuerpo en la oscuridad de las habitaciones. Días amarillentos teñidos de estática luz halógena. Un tiempo encallado en el desconsuelo, tantas veces invariable y repetido que comienza a desgastar su significado. Aprendiendo a convivir con la amargura, realidad e irrealidad se entremezclan. El peso del vacío encuentra en alguna parte una extraña serenidad ingrávida que nos atrae dolorosamente. Un encanto tan siniestro y traicionero como seductor e inevitable.

Milán Kundera no definía el vértigo como el miedo a caer al vacío, sino como la lucha por vencer el deseo de dejarse caer en él. Así, “Each day a lie” es un profundo vacío que nos llama. Un disco oscuro, angustiado y torturado. Lleno de ritmos estrangulados, lánguidas guitarras viciadas, percusiones secas y correosas, lamentos envenenados y un ambiente nocturno tan enrarecido y atractivo, que hiela la sangre. Sangre seca. Las esperanzas derrotadas, el doloroso desengaño y la condena al vacío. Sinceridad explícita y sentida como pocas veces se encuentra.

Restada parte de la carga folk de “In the mirror”, Ainara LeGardon diferencia su propuesta añadiendo amargura, frialdad, rabia y contención. El resultado es seductivo y ceremonioso en la superficie, pero extremadamente duro y dañino en su trasfondo. Contraste maldito que sólo añade mala savia a confesiones tan violentas como ‘Why don’t you hold me as if I was the last of your hopes? You’re the last of mine’ o ‘You’re as dead as the one who can’t be further away’.

“Each day a lie” es una colección de lamentos capaz de dejar un poso de oscura desazón en el ánimo del que escucha. Tan crudo y doloroso que incita a volverle la espalda. Tan revelador y sincero que cuando te enfrentas a él es imposible quedar indiferente. La escucha más emocionante e intensa que se pueda imaginar. Un disco en carne viva. Una absoluta obra maestra sobre la soledad y la desesperanza. Imprescindible.

Seretuespejo, Pop Page.

Ainara LeGardon se consolida con su segundo disco “Each Day a Lie” como una de nuestras más grandes solistas.  

Cada día una mentira. Frustrante y dolorosamente cotidiano título para esta segunda entrega de Ainara Legardon, cantautora bilbaína afincada en Madrid, desde donde lleva su carrera discográfica. Una trayectoria que comenzó como vocalista de Onion y entró en una fase laureada por la crítica con “In the Mirror”, su primer salto en solitario. Temas tristes y arrastrados en una conjunción perfecta voz-letras-instrumentación son sus señas de identidad y su segundo disco lejos de defraudar alcanza cotas más altas dentro de ese afán de sacar algo bello de la desolación. 

Las primeras muestras de la sobrecogedora voz de Ainara y de lo dentro que es capaz de llegar ya a primera escucha, las tenemos en Hope Defeated. Bajo tan revelador título se esconde un lento y lúgubre reflejo musical de las esperanzas rotas. Este concepto de desesperanza se volverá a plasmar en Last of your Hopes, áspera y polvorienta, repleta de incertidumbre a traves de su desarollo de guitarras. Más entregada a la soledad es The Winter Sun, desangeladas cuerdas en una canción repleta de amarga belleza. 

Dry Years nos muestra la gravedad más descarnada en uno de los temas más accesibles, jugueteando con el jazz. Es en este punto de resaltar el gran trabajo de la banda tanto en los momentos en que hay que aportar fuerza como en los que la tensión se recrea de un modo más contenido. Es caso este el de Each Day a Lie, un tema perfectamente hipnótico con una repetitiva melodía que te punza el alma y acerca a Ainara a divas con mayúsculas como Tori Amos o Björk. Arrebatadora y minimalista, los arreglos de cuerda ponen la guinda. La cantante también se muestra dulce en la deliciosamente bella y austera Real. 

La tensión regresa en Needed, envuelta en niebla y oscuridad irreal con sus graves percusiones. Este viaje fantasmagórico prosigue en A Second of…, tal vez el pasaje más intimista en un disco repleto de dolorosa introspección. La crispación instrumental creciente que siempre encuentra el contrapunto en la delicada voz sugiere que Ainara amansa a la banda cuando canta. Una voz realmente terapeutica que en la susurrante Without parece invitarnos a escupir fuera todo el sufrimiento como punto final a este sombrío trayecto. 

Como una droga que actúa lentamente en nuestro organismo pero de forma irreversible. Así actúa “Each Day a Lie” impregnando al oyente de todo el sentimiento que Ainara sabe canalizar con ayuda de guitarras, órganos, harmónicas, violines, violas, etc. Merece un reconocimiento popular tanto ella como una banda de caché con Chris Eckman (Walkabouts) a los controles, Carlos Torero (ex Radio Futura) a la batería, David Jiménez (ex A Room With a View) al bajo y Hannot Mintegia y Ager Insunza de los gernikeses Audience. Una vez más, Ainara se acerca con su sangrante folk-rock a los espíritus de Nick Cave, PJ Harvey o Thalia Zedek pero con una personalidad propia. Algo sin lo cual un trabajo como “Each Day a Lie” no tendría sentido alguno.

 Lo mejor            

Canciones que calan a la primera y toman raíces en nuestro interior con las sucesivas escuchas. Sensibilidad dolorosa y a flor de piel.

 Lo peor            

Sobran las pegas. Como mucho, lo peor es que no esté más reconocida.

 Resumen            

Si Ainara LeGardon despertó grandes expectativas con “In the Mirror”, la cantautora más sincera y oscura del panorama nacional vuelve a hurgar en la llaga con este “Each Day a Lie”.

Sprnknwn, www.ociojoven.com (10-11-2005)

Se abre “Each Day A Lie” (“Cada día, una mentira”) y casi imaginamos a la chica (voz y protagonista de las historias del disco) perdida por un bosque, desconcertada, perseguida por unos cazadores, con el vestido hecho desgarros y el pelo revuelto, y sangre en los dedos y en los labios, mirando hacia atrás, nerviosa, y luego hacia delante, intentando no caer entre las hojas o atrapada por un tronco húmedo. Los árboles contemplan todo en silencio. Como un cuento del gótico americano, donde conviven osos, hombres que matan a otros hombres, jaurías de cazadores que buscan a una mujer, “Each Day A Lie”, el segundo disco de Ainara LeGardon tras el igualmente oscuro “In The Mirror” es una apasionante narración sobre gente desorientada, sobre personas de alma cándida atrapados en cuerpos violentos, o en vidas equivocadas.

Con las que son, probablemente, sus mejores canciones (“The Winter Sun”, la maravillosa “Each Day A Lie” –con esos arreglos de cuerda- la tensión de “Last Of Your Hopes”, la austeridad de “Real” o el terrible secreto escondido en “A Second Of…”) y arropada por una nómina de músicos importante (de nuevo Chris Eckman, de The Walkabouts en los controles; también están por aquí gente de Audience o de los ya desaparecidos A Room With A View) Ainara ha conseguido una obra que sobrecoge, emociona, turba, inquieta; un disco que trasciende las etiquetas que se le podrían colgar (post blues, folk, americana) para llegar directo, lucido, sin alardes, al corazón mismo del oyente, justo desde el corazón del bosque.

Fernando Navarro, IndyRock.

No es fácil encontrarse con discos que emocionen a la primera escucha. El segundo LP de Ainara LeGardon ha sido uno de ellos.

Las sensación de poner un cd en el reproductor y quedarse fascinado por lo que sale por los altavoces es indiscriptible. Los últimos que recuerdo son Nashville de Josh Rouse, los primeros elepés de Aroah y, por supuesto, los álbumes de Nacho Vegas. Por eso sorprende descubrir algo así en un álbum por el que en principio no apostaba demasiado. Es uno de los secretos subterráneos de ese Madrid que sigue asistiendo casi a diario a conciertos a pesar de las facilidades que los sucesivos ayuntamienos nos ponen para disfrutar, no sólo ya de la música en directo, sino de la noche en la capital.

Ainara no es una recién llegada. Tiene dos discos a sus espaldas y es una experta en defender sus canciones sobre un escenario. Tras años siendo la voz solista de Onion, decidió lanzarse en solitario firmando sus trabajos con su propio nombre y con la colaboración excepcional de Chris Eckman de los Walkabouts, que además de tocar en alguna de las canciones ha sido el productor de sus dos ultimos trabajos.

A menudo se habla de ella como una “cantautora gótica”. Folk muy intimista, una voz realmente impresionante que pasa del suspiro, al susurro desgarrador y al grito contenido a lo largo de nueve canciones breves pero muy intensas. La banda de acompañamiento es impresionante. Las guitarras de Hannot Mintegia (también a las cuerdas en Audience) y las baterías, a veces a plomo, a veces suaves toques de caja que dejan claro por qué Carlos Torero es uno de los mejores tras las baquetas en este país (ex Radio Futura), son el acompañamiento perfecto para unos temas que a veces duelen pero en general reconfortan. Por poner referencias, las más obvias serían Nick Cave y PJ Harvey. Sin el tormento del primero y el histrionismo de la segunda, temas como Hope defeated, Dry years o Needed merecen ser escuchados al atardecer, justo cuando la luz comienza a extinguirse y la brisa de las noches de verano invita a la introspección. Toda una sorpresa.

Javier Ruiz, Lanetro.

Madrilen bizi den euskal jatorrizko musikari bat da Ainara LeGardon. Bost urteko lanaren ondoren, In The Mirror estreineko diskoarekin, bere lekua aldarrikatu eta lortu egin zuen. Bigarrena kaleratu berri du orain, Each Day A Lie izenburu mamitsupean. Lehen entzunaldian sartzen ez diren disko horietakoa da, zenbait unetan ondoan eduki eta laguntzen duena eta etxeko disko kutunen artean betiko izango dena. Hitzak, pertsonalak (The Winter Sun); kantuak, hipnotikoak (Each Day A Lie) eta gogorrak (Dry Years); eta instrumentuek ere hitz egiten dute (A Second Of…). Ez dira nahiko americana eta folk-rock etiketak; berezko estiloa nabaria da. Chris Eckman (The Walkabouts), David Jimenez (A Room With A View) eta Audience taldeko Hannot Mintegia eta Ager Insunza gernikarrek parte hartu dute diskoaren grabaketan. Ekainaren 3an Basaurin arituko da (Bizkaia), Madee seikote katalanarekin batera.

Jon Villapun, www.matraka.info

Ainara LeGardon es una músico de origen vasco residente en Madrid. Después de un trabajo de cinco años, con el disco de debut “In the mirror”, reclamó su sitio y lo consiguió. Acaba de salir a la calle su segundo disco, bajo el título, con mucha miga, “Each day a lie”. Es de estos discos que no entran a la primera escucha, de los que en ciertos momentos están a tu lado, te ayudan y permanecerán entre los más apreciados de casa. Las palabras, personales (“The winter sun”); las canciones, hipnóticas (“Each day a lie”) y duras (“Dry years”); y los instrumentos, que también hablan (“A second of…). No son suficientes las etiquetas de americana y folk-rock; su propio estilo es evidente. Chris Eckman (The Walkabouts), David Jiménez (A Room With A View) y los guerniqueses Hannot Mintegia y Ager Insunza del grupo Audience, toman parte en la grabación del disco. Tocará el 3 de junio en Basauri (Bizkaia) junto al sexteto catalán Madee.

Traducción de Oihana Garro.

De Spaanse zangeres Ainara LeGardon fungeerde de afgelopen jaren als support act voor onder andere Dayna Kurtz, Thalia Zedek en The Walkabouts en maakte in die hoedanigheid behoorlijk wat indruk. Indruk die ze ook weet te maken met het door Walkabout Chris Eckman geproduceerde Each Day A Lie; een al uit 2005 stammende plaat die nu gelukkig ook in Nederland is uitgebracht. Een plaat die liefhebbers van bovengenoemde acts zeer zal aanspreken, maar die ook fans van bijvoorbeeld Mazzy Star en Tara Angell (haar debuut Come Down is helaas nog altijd één van de best bewaarde geheimen van de laatste jaren) niet zal teleurstellen. Op Each Day A Lie blijkt Ainara LeGardon een grootmeester in het vertolken van ietwat droevige songs met een behoorlijk beklemmende sfeer. De productie van Chris Eckman verdient zonder meer een pluim, maar het is de indringende voordracht van Ainara LeGardon die van Each Day A Lie zo’n overtuigende plaat maakt. Een mooie en bezwerende herfstplaat die uitstekend past bij het weerbeeld van het moment.

www.velvetmusic.nl

Lentezza e scoramento sono i due connotati più evidenti del secondo disco a firma Ainara LeGardon, singer/songwriter spagnola che si giova ancora una volta della produzione di Chris Eckman dei Walkabouts. Ma in “Each Day A Lie” c’è dell’altro: se non bellissime canzoni in senso assoluto (il substrato malinconico è talmente spesso che coprirebbe eventuali orpelli smaccatamente pop), quantomeno un’atmosfera gravida di infinita nostalgia espressa con garbo e raffinatezza, che colpirà al cuore gli ascoltatori maggiormente predisposti a certe ambientazioni fosche.

Tra sadcore e folk intimista, il suono della LeGardon ha molti punti in comune con quello di Cat Power e trova ispirazione alla fonte magica di Nick Drake, ma anche a quella di Will Oldham (aka Palace Brothers aka Palace aka Bonnie “Prince” Billy); e se i risultati in termini di qualità non sono propriamente comparabili con quelli degli artisti appena citati, la sostanza è comunque questa: i cultori della materia sono avvertiti.

aob, www.dedication.it (14/10/05)

Lentitud y descorazonamiento son las dos descripciones más evidentes del segundo disco de Ainara LeGardon, cantautora española que se ayuda de nuevo de la producción de Chris Eckman de los Walkabouts. Pero en “Each day a Lie” hay otras cosas: si no bellísimas canciones en sentido absoluto (el sustrato melancólico es tan frecuente que cubriría eventuales adornos ligeramente pop), por lo menos una atmósfera ingrávida de infinita nostalgia expresada con garbo y refinamiento, que golpeará el corazón de los oyentes mayormente predispuestos a ciertos ambientes oscuros. 

Entre sadcore y folk intimista, el sonido de la LeGardon tiene muchos puntos en común con Cat Power y encuentra inspiración en la fuente mágica de Nick Drake, pero también en la de Will Oldham y si lo resultados en términos de calidad no son propiamente comparables con los artistas antes citados, la sustancia es de todas formas ésa: los cultivadores de la materia están advertidos.

Traducción de Diana Lafuente.

Ainara LeGardon has offered up her soul in the form of an exceptionally haunting, ambient sound on “Each Day A Lie”. You can hear the distorted blues bleeding through and feel the sting of lyrics like, “You’re as dead as the one who can’t be further away” as the disc plays on. Carrying out the deepest pain in every song and note, it’s refreshing to hear the spirit being relieved of its demons and a heart running free. Ainara has already made a name for herself as an accomplished musician, and now has released one of the most amazingly introspective discs I have ever heard.

R.I.Y.L.: Bonnie Prince Billy, Mazzy Star, Cowboy Junkies

www.independendentsonly.com

Mike Perazetti, The Fevered Brain of Radio Mike. Austin, Texas (2006).

 “Sale sola, empieza a tocar y abre un sumidero por el que te cuelas.”

r. Casa de Lava.

“Ainara dispara algunas de las emociones más intensas y pasionales que puedan descargarse hoy día desde un escenario.”

Juan Mari Montes. La Gaceta de Salamanca.

“Ella sola es capaz de comerse el escenario acompañada de su guitarra, al igual que lo hacen Shannon Wright o PJ Harvey.”

Don Luis. La Karnicería.

“Pocas voces y pocas figuras en la escena rock nacional consiguen transmitir tanto como Ainara LeGardon.”

Cristina Castellanos. Solorock.

“Un repertorio infalible y una intensidad sobrecogedora. Sus canciones han ganado en matices, con un radicalismo que la aleja del tópico y la hace grande.”

Daniel García. Diario Siglo XXI.

“Ainara puede llevarte a un lugar oscuro y profundo y hacerte sonreír mientras lo hace.”

Yago García. Mondosonoro.

“Simplemente increíble.”

H. Valladolid Webmusical.

“Un concierto pluscuamperfecto… Nunca la tristeza fue tan bella.”

Manuel García (Onda Jaén).

“Colosal, que viene de coloso. La artista, y me atrevo a llamarle artista sin rubor, demostró en todo momento un sorprendente control sobre cada aspecto de la actuación, apelando solamente a un recurso; su presencia en el escenario”… “La solemnidad y la belleza de la voz de Ainara no dejan dudas sobre la sinceridad de su expresión, que es de una fuerza casi violenta y a un tiempo reconfortante.”

Iván. Pop Madrid.

“Si una palabra me resulta imprescindible para hablar de la presencia de Ainara sobre el escenario ésa es ‘autoridad’.”… “Un espectáculo puro y valiente, sin máscaras ni disfraces, intensamente apasionante.”

Seré tu espejo. Pop Page.

“La belleza de Ainara no es de este mundo. Es tan de otro mundo que no tiene comparación posible con otros músicos. Lo que está construyendo es tan grande y emocionante que aunque nunca se traduzca en un éxito masivo, siempre podrá uno pensar eso de “yo estuve allí”.”

Cielo Vacío.

“Sale al escenario Ainara Le Gardon y el público se calla. Y es que la de Bilbao impone. Empieza a cantar y sus canciones se apoderan de nosotros, nos anodadan y dejan boquiabiertos. Las canciones de Ainara LeGardon son tensas, arrebatan, desprenden una belleza que duele.”

Chema Helmet. Festivales de pop.

“Una compositora (palabra en desuso) emocionante y vibrante como pocas.”

Love of 74.

“Una autora de verdad, sensible y sin artificios, sin trampa ni cartón, de esas que abre una rendija de su habitación para que nosotros, emocionados, la espiemos y nos regocijemos en sus exorcismos particulares.“

Playa Club.

“Emotivamente incontestable.”

Feiticeira.

“Con una voz suave y a la vez cruda, llena de matices que van desde el cálido bienestar hasta la amarga derrota, Ainara es la verdadera protagonista de su música, cantando, rasgando su guitarra, y el sentimiento de los presentes…. El disco es sencillamente genial. El directo, una muestra de sensibilidad, cara a cara.”

Mariano Regidor. Nosoloemo.

“Extenso repertorio de emotividad oscura y reflexiva con canciones sobrenaturales como la sublime “I Saw The Light On”.”

Supernovapop.

Sin que lo adviertas, al escuchar “Forgive me if I don´t come home to sleep tonight” (Winslow Lab 2009), tercer trabajo de Ainara LeGardon, estás aceptando un reto. Lo notas poco después, si por casualidad –en alguno de los silencios entre tema y tema- despiertas por un momento de ese encantamiento al que te arrastran las canciones y te das cuenta de que estabas aguantando la respiración ante una cercanía y una franqueza que no es de recibo. Sin trabas, sin complejos y sin adornos: Ainara no tiene miedo.

La idea de un tercer disco llevaba gestándose desde finales de 2007. ¿Cómo ha cambiado el concepto que tenías en mente y cómo has llevado este retraso después del parón forzado por motivos de salud?

En realidad, la idea de un tercer disco comenzó a gestarse desde el mismo momento en que terminamos el segundo, “Each day a lie” (Winslow Lab 2005). El proceso de composición, aún en mis mejores condiciones, suele ser largo, por lo que los planes referentes a un próximo trabajo han de comenzar en cuanto se acaba la grabación del inmediatamente anterior. Por ponerte un ejemplo, “The third” –canción incluida en este último disco- se estrenó en directo a finales del año 2005.

Dicho esto, el concepto del disco que rondaba por mi mente en el 2007 y 2008, como bien dices, era bastante diferente. Diversos factores me impidieron llevar a cabo aquel plan tal y como lo había trazado, y finalmente la lesión que tuve en el 2008 me obligó a dejar paralizado el proyecto hasta mi total recuperación física, y, lo más importante, hasta que recuperé las ganas y la ilusión necesarias para encarar el reto.

Había pasado tanto tiempo, que el proyecto inicial había perdido el sentido. Así que, comenzando prácticamente de cero, desechando algunos temas y añadiendo otros que fueron surgiendo durante mi convalecencia, di forma a lo que es este tercer trabajo.

La producción en tus discos siempre ha sido más bien austera, muy orgánica y básica, pero esta vez es especialmente parca, centrándose en la guitarra y la voz. ¿Era un propósito al entrar a grabar el dejarlo todo más desnudo que nunca, o descartaste en el estudio otras posibilidades?

Esa crudeza y austeridad era mi propósito desde un principio. Quería mostrarme más sobria que nunca, desnuda hasta límites que antes no había alcanzado.

De hecho, la opción de montar mi propio estudio, Hambre y Ganas, junto a Paco Jiménez y la idea de producir el disco nosotros mismos, está basada en el hecho de buscar esa naturalidad y poder grabar tranquilamente sin presiones de ningún tipo (temporales, económicas, etc…).

En su día hablé con Chris Eckman, productor de mis dos anteriores trabajos, y él fue el primero que me animó a apostar por ello. Al escuchar el resultado, me ha felicitado por haber conseguido, a su parecer, un disco de gran intimidad, en el que el oyente puede percibir que en cierto modo está conmigo en la habitación en el instante en el que se está grabando el tema. Ése era precisamente nuestro objetivo al optar por una producción tan cruda y directa.

Sin embargo, en tus conciertos esa parquedad de elementos se manifiesta de manera más eléctrica, con un brío más metálico; y en este disco presenta una lectura formal más serena, muy cercana, sin distorsión. Por explicarme: el disco suena “en directo”, pero no se limita a sonar como tus directos. Acentuar el enfoque intimista, sin trucos, ¿puede conmover más intensamente al oyente? ¿Te pasa a ti con la música de otros que la presentan con esa filosofía?

Claro, el disco suena “en directo” porque así se han grabado la mayor parte de los temas: tocando y cantando a la vez, en una única toma, con sus virtudes y sus imperfecciones. Sin artificios, y también sin complejos.

Yo, como oyente, me maravillo con discos como “The Revelator” de Gillian Welch, o “In the fishtank” de Karate, por ponerte dos ejemplos de estilos muy distintos, pero grabados de la misma forma. Son discos de verdad. Se percibe perfectamente algo verdadero y sincero en ellos, y eso conmueve.

¿Cómo habéis trabajado los ambientes tan concretos que se dan en los temas y sus dinámicas con Alfons Serra y Javier Díez-Ena? Los pocos elementos adicionales tienen un papel clave que a veces apenas dura unos segundos, y aún así enriquecen muchísimo la narración.

Precisamente por eso enriquecen la narración, porque no se abusa de ellos. Aparecen en momentos concretos y siempre tienen su razón de ser. Tanto Alfons como Javier son músicos con un gusto exquisito, conocen mi querencia por la sobriedad y los arreglos poco recargados, y saben cuándo aportar su magia.

Hablando de esto, me ha llamado la atención ‘Sickness’, para mí uno de los temas centrales, en el que el fraseo de guitarra parece remitir a una interminable espera que se aguanta con paciencia, pero luego irrumpe ese segmento endiablado a la mitad (como salido del “The End” de Nico) y es como si esa paciencia hubiera llegado al límite.

Sí, “Sickness” probablemente sea uno de los temas más especiales del disco. Fue uno de los que surgió durante los meses que estuve convaleciente. El tempo lento, marcado por el invariable sol grave, y el arpegio en forma descendente, pero con pequeños peldaños ascendentes en su trayectoria, provoca gran tensión en el oyente. Por lo menos en mi caso, mantener un tempo tan lento, sobre todo cuando la interpreto en directo, crea una sensación extraña (en el escenario la adrenalina y las pulsaciones se disparan, así que de alguna manera hay que controlarlas para meterse en el bucle de “Sickness”).

Por lo que respecta a los arreglos de contrabajo, le pedí a Javier que creara algo tenso, irritante, opresivo. Algo como la enfermedad, en cierto modo. Grabó unos contrabajos preparados, usando una llave allen y destornilladores de nuestro taller. En directo suele usar una tapadera de sartén. También aparece de forma puntual un serrucho con arco al final del tema.

En el momento culminante de la canción mi intención no era la de dar a entender la pérdida final de la paciencia, sino casi lo contrario: la victoria, el momento de subyugar y dominar a la propia enfermedad.

En ‘The Third’ prescindes del arreglo de batería que Alfons hace en directo (uno de los momentos más emocionantes es, siempre, cuando volvéis al ritmo original tras el parón ambiental). ¿Te sugirió algo la canción al plantearla tal y como aparece en el álbum que hizo que te decantaras por dejarla así? ¿Se enfatizó algún sentimiento determinado?

Como tú mismo dijiste antes, el directo es bastante diferente al disco. Siempre lo ha sido. El formato en el que nos presentamos en concierto es muy variable: solo, dúo de contrabajo y guitarra, dúo de guitarra y batería, trío, etc… Por lo tanto las canciones han de ser versátiles y poder vestirse de diferentes maneras sin perder su esencia. Nunca le he visto el sentido a tratar de reproducir fielmente en el escenario lo que está grabado en un disco, así que “The Third” simplemente es un camaleón que adopta distintas formas…

Hace poco dije de ti que tienes una habilidad sorprendente para explorar un terreno psicológico turbador y explicar de forma muy concisa lo que encuentras en esas excursiones. Pensaba en las letras; brevísimas y, sin ser obvias, reveladoras. ¿Les das muchas vueltas para conseguir que tengan esa cualidad?

No, la verdad es que no. Me gusta lo conciso, lo breve. Si tres versos expresan perfectamente lo que se quiere dar a entender, ¿para qué darle más vueltas?

Hablemos, entonces, de lo que cuentan. En la temática conceptual del disco veo dos pilares: por un lado, la lucha personal por no dejarse vencer por las adversidades, por superarlas; y por otro, las relaciones interpersonales, en las que por primera vez te posicionas como la persona que decepciona, que pide perdón.

Así es. Para mí existe una unión entre esos dos sentimientos: las acciones con las que nos decepcionamos a nosotros mismos y a los demás, las malas decisiones que tomamos en ciertos momentos, son las que nos suelen llevar a situaciones adversas de las que nos resulta difícil salir y que desembocan en una fuerte lucha personal. El disco es una reflexión sobre ello.

Además de esos dos sentimientos que mencionas, yo destacaría también el de gratitud.

Para algunos temas has trabajado con afinaciones de guitarra distintas a la estándar. Al igual que cuando usas compases irregulares, imprevisibles, ¿son cosas que te ayudan a mantener la música fresca? ¿Incentivan tu creatividad ante ese instrumento que conoces tanto?

La guitarra sigue siendo una desconocida para mí, pero desde luego, el abanico que se te abre cuando sales de los márgenes compositivos habituales, es muy enriquecedor. La afinación estándar de un instrumento, los patrones y estructuras de un estilo concreto de música o bien las limitaciones que yo misma como músico me solía imponer, pueden llegar a convertirse en lastres importantes. Quitarse los complejos, dar rienda suelta a la improvisación, la experimentación, la inclusión de elementos poco comunes o con los que no hayas trabajado hasta el momento, son signos de frescura e inspiran muchísimo.

En todos mis discos hay canciones con afinaciones alternativas y/o con compases amalgamados (que mezclados en un mismo tema con otros que no lo son, producen la sensación de imprevisibilidad). Pero especialmente en este último trabajo, usando hasta seis afinaciones diferentes, me he permitido a mí misma crecer como músico y divertirme.

¿Qué tal te ha ido, hasta ahora, la aventura de la autogestión, de la autoedición, que emprendiste al iniciar tu carrera en solitario?

Mejor imposible, e in crescendo.

Y para terminar, el año que viene se cumplen 10 años de la publicación del último disco de Onion, un grupo con el que ya dejaste claro tu carácter riguroso y profesional y que supo retarse con cada nuevo trabajo, depurando y perfeccionando su lenguaje. ¿Cómo valoras hoy la trayectoria de la banda y la suerte que tuvisteis?

Trayectoria y suerte irregulares, en parte por factores externos al propio grupo, y en parte debido a nuestra falta de experiencia en algunos ámbitos. Los nueve años que pasé en Onion constituyeron un época de gran aprendizaje a nivel musical y en lo que a las relaciones humanas se refiere. También vinieron marcados por un gran desencanto con la industria musical, lo que motivó mi decisión de emprender una carrera en solitario autogestionada, con libertad y al margen de todo lo que pueda crear interferencias en mi trabajo.

Estanis Solsona.
Fotografías: Alvaro Sanz.

Ainara siempre se ha rodeado de excelentes colaboradores, tanto en estudio como en directo, entre los que destacan Chris Eckman (The Walkabouts, Chris & Carla) -quien produjo sus dos primeros trabajos-, Joe Skyward (Posies, Sunny Day Real Estate, The Walkabouts), Carlos Torero (Ex Radio Futura), Hannot Mintegia, Gaizka Insunza y Ager Insunza (Audience), David Jiménez (A Room With A View), Al DeLoner (Midnight Choir), Jorge Fuertes (Nudozurdo), Alfons Serra (Nisei), Javier Díez-Ena (Dead Capo, Aaron Thomas), Kim Wars (Ginferno), Jason Victor (Steve Wynn, Willard Grant Conspiracy), Rubén Martínez (Tokyo Sex Destruction) y Héctor Bardisa (Flyingpigmatanza).

Las canciones de Ainara forman parte de más de una docena de recopilatorios, habiendo sido varias veces la única artista no americana incluida en una compilación editada en Estados Unidos.

Durante estos años, Ainara ha pisado los escenarios de media Europa (Francia, Italia, Bélgica, Holanda, Alemania) además de Estados Unidos, donde ha ofrecido conciertos en algunos de los clubes más míticos de Nueva York, como el ya desaparecido CBGB´s.

Ha compartido cartel con figuras internacionales como Thalia Zedek, Tara Jane O´Neil, Dayna Kurtz, Chris Eckman, Karate, The Walkabouts, Bonnie `Prince´ Billy & Matt Sweeney, Giant Sand, Damien Jurado, etc…

En ella destaca su intensidad, la intimidad que queda al descubierto en cada uno de sus conciertos y se dice que pocas figuras en la escena nacional consiguen transmitir tanto como ella encima de un escenario.

Su último disco (“We once wished” -2011-) da una vuelta de tuerca a su sonido y en él camina, sin ataduras, por derroteros más cercanos al rock que al folk. En directo la acompañan Héctor Bardisa (Flyingpigmatanza) a la batería, Rubén Martínez (Tokyo Sex Destruction) al bajo y Hannot Mintegia (Audience) a la guitarra y voces.

Actualmente compagina su proyecto personal con Archipiel (dúo de improvisación vocal junto a Álvaro Barriuso -Dúo Cobra-), la creación de bandas sonoras -destacando su trabajo con el realizador Alvaro Sanz-  y más recientemente con su colaboración con la compañía de danza contemporánea Taurgia.

DISCOGRAFÍA

Forgive me if don´t come home to sleep tonight, CD, Winslow Lab. 2009 .

Each Day a Lie, CD, Winslow Lab. 2005.

In the mirror, CD, Winslow Lab. 2003.

COLABORACIONES

Voces en al nuevo disco de Miguel A. García, en preparación.

Voz en directo formando parte de distintas orquestas de improvisación, destacando la Orquesta FOCO, y junto a grupos de improvisadores como The Fracture y maDam.

Coros en el tema “Disasters” de Songstore, incluido en “Permanent victim syndrome”, Dronetools/Foëhn 2007.

Voces en el disco “#3” de The Linn Youki Project, BCore 2006.

Voces en el disco “Egometrie” de doss, Humo Items/BCore 2006.

Voces en el disco “Las leyes del equilibrio” de Julio de la Rosa, Everlasting 2005. Ainara LeGardon (a la guitarra y voz)  también acompañó en directo a Julio de la Rosa en varios conciertos de presentación de dicho disco.

Voces en el disco  “After the wild rush… waiting” de doss, Humo Items 2003.

Coros en el tema “Fragmentos” de doss, incluido en “Después de nunca. Revisiones”, Compañía de Sueños Ilimitada 2003.

La disolución de Onion, fue una fortuna tanto para Ainara, como para los que no somos ella, dando como fruto este dolido y arrastrado “In The Mirror” (Winslow Lab, 2003) que impregna el paladar con un regusto a vieja tradición folk americana. Parte de culpa en esto, deben de tener Chris Eckman (The Walkabouts) y Joe Skyward (The Posies), que produce y participan en el disco. Ella rellena la etiqueta de las referencias con el nombre de Mark Lanegan, mientras que el grueso de la acomodada y desganada critica, la sitúan bajo las faldas de Kristin Hersh (no tan preciosista), Thalia Zedek (no tan visceral) o Tara Jane O’Neil (no tan aislada), yo para no ser menos necio, me atrevo a nombrar a Lisa Germano (no tan claro). “In The Mirror” es la pieza que sigue sin encajar en la vida de la masoquista (para nuestra fortuna) Ainara. Un disco crudo, sentido y sobre todo valiente que nos pasea por las ruinas todavía en pie, de una relación rota y doliente, como la voz de nuestra protagonista en determinados momentos del álbum. Una relación que ella no puede ni quiere olvidar, síntomas que se reproducen en el oyente tras la escucha de este intimo y personal paseo por el diario de una perdida incompleta.

Jose Navarro

Primer disco en solitario de Ainara Legardón, cantante de los probablemente ya difuntos Onion. «In the mirror» es un álbum custodiado por diez canciones lánguidas que narran una historia de amor platónico que fluctúa entre la plenitud y lo tortuoso, la a punto siempre de conquistar coronación y su posterior decepción, lo posible y lo imposible siempre a punto de darse la mano y siempre mirándose con ojos inamistosos. Un relato esgrimido en píldoras sonoras que bien pudiera haber firmado el novelista Paul Auster cuando se dedica a la proeza de cazar coincidencias, o algún poeta del romanticismo alemán cuando su ánimo se desinflaba. Ainara ejerce su magisterio y alcanza en su debut habilidades que ya se transparentaban en su anterior banda. Posee habilidad para el arte de enfatizar imágenes, para desatar la instrospección, para que la melancolía se pavonee delante de un alma que empieza a apergaminarse. «In the mirror» dimana penumbra sonora, música oscura que llora, atmósferas desasosegantes, toda la tristeza del mundo se convoca en sus canciones. Guitarras arpegiadas y la voz de Ainara comandando una tropa de canciones que consiguen que la salive se agolpe en la garganta. Imprescindible para los fieles de la nostalgia y los príncipes de lo oscuro.

Josemi Valle

Si a final de año hacemos un recuento y vemos quienes son las bandas que más conciertos han dado a lo largo y ancho de nuestro país, seguro que Ainara Legardon se encuentra, sino la primera, entre las primeras posiciones. Ainara se ha pateado el país de arriba abajo presentando éste “In the mirror”, y no es para menos, sacar un disco así es como para sentirse orgulloso y querer mostrarlo a todo el mundo.

Tomando como base una trama casi conceptual, Ainara se ha liado la manta a la cabeza y ha editado un maravilloso disco de folk rock que nos muestra a una artista de la que no podemos más que esperar futuras maravillas.

Algo tiene éste “in the mirror” cuando ha hecho que Chris Eckman se haya puesto a los mandos y producido el disco. Que digo producido, el lider de los Walkabouts también se ha puesto el mono de trabajo y aportado su maravillosa guitarra a varios temas. Unos temas que beben de las raices norteamericanas para dar forma a estas diez historias de rabia y desesperación, historias que como todas, tienen sus momentos más enérgicos (“forget just anything”), más tenebrosos (“in the mirror”), y como no, más dulces (“dreamin´ but you”). Un trabajo redondo, repleto de pequeños detalles, una steel por aquí, un violín por allá, que dan lustre a unos magníficos temas, o quizás debería decir historias, en las que por momentos, la superficie más delicada esconde un interior duro y amargo (“dreamin´ but you”). Unas historias que de tan reales se tornan cercanas, un disco éste que pone la nota de aviso sobre Ainara LeGardon, un trabajo para guardar aparte, del que seguro que nos acordamos a final de año.

Si viniese de fuera, seguro que hubiese tenido mucha más repercusión, pero así somos, para lo bueno y para lo malo….

Juanra Moonpalace

Ainara formó parte del grupo salmantino Onion, con el que grabó tres discos. Ahora debuta en solitario con un trabajo para el que ha creado su propio sello discográfico y en el que cuenta con la inestimable colaboración de un mago de la percusión como Carlos Torero -ex Espasmódicos, ex Coyotes, ex Radio Futura-. La suya es música lánguida, doliente e hiriente, con algo que recuerda los hermosísimos diálogos de guitarra y batería de la Durruti Column de Viny Reilly. Canciones que llegan al alma.

JESÚS RODRÍGUEZ LENIN

La ex cantante de Onion decidió costearse la producción de su propio álbum, un trabajo personal, íntimo y sincero, evocador de los sonidos fronterizos de Cowboy Junkies. Un disco tan breve como intenso y emocional, digno merecedor de elogios por tres aspectos fundamentales: el carisma de la vocalista, la formación instrumental -integrada por el ex batería de Radio Futura, Carlos Torero, el bajista de Posies Joe Skyward, y Hannot y Gaizka, de Audience- unido a la producción de Chris Eckman, responsable del sonido del álbum.

La tibia oscuridad de “In The Mirror” remite a la genuina figura de Kristin Hersh, (ex Throwing Muses) un acercamiento involuntario y espontáneo, pero igualmente preciso, en un álbum en el que destacan por méritos propios “Dreaming bout you”, “Blue” o la preciosa “Love in a box”.

Ainara acaricia los sentidos con su voz aterciopelada y rescata sentimientos amargos del pozo del olvido. “In The Mirror” es un trabajo doloroso donde prevalece el lamento sincero y la tensión contenida. Un bálsamo para los oídos. Dulce amargura.

/Toni Rubies, 2004-05-29/

Aunque todavía es poco conocida, la cantante y guitarrista de Salamanca no es una recién llegada a la música. En la década de los 90 formó parte del grupo salmantino Onion y publicó tres discos con ellos. Tras la disolución del grupo, “In the mirror”, publicado el año pasado, es su primer trabajo, y no ha reunido un mal grupo de acompañantes para grabarlo: músicos de The Posies y Radio Futura al bajo y la batería, Chris Eckman, de The Walkabouts, en la producción, y tocando la guitarra, el piano y los violines, tres miembros del grupo Audience de Gernika. Las diez canciones del disco tienen reminiscencias intimistas con aire pop y folk, y en todas cuenta en inglés el inagotable sabor agridulce del amor. El trabajo de los músicos y de Eckman le sacan un jugo tan agrio como bello a la voz dulce y las dolorosas canciones de Ainara.
Bonitas piezas como “Dreaming ´bout you”, “I saw the Light on”, “Blue” y “14 hours” están muy cerca de la dulzura de Cat Power y Kristin Hersh.

Beñardo Goietxe. Originalmente publicado en Berria (04).

Traducción de Oihana Garro.

En realidad la música de Karate no entiende de estilos, ni de edades, aunque parece más bien una madura recolección de influencias. En directo los de Boston descubren ritmos funky, blues y rock ´n´roll junto a melodías más clásicas de emo-core, y muestran un estilo de rock complejo y depurado, repleto de riffs pegadizos, solos espectaculares de guitarra y batería, y una voz que recuerda la masculina sensualidad de Adam Duritz, como si los Counting Crows hubieran pasado su juventud escuchadno a Fugazi y a Slint en vez de a Van Morrison y a REM.

La honestidad de Ainara LeGardon, sin embargo, poco tiene que ver con la edad. Autoproducida y autopromocionada, ensalzada en contadas ocasiones por la crítica musical y olvidada en la mayoría de los casos, es todo un ejemplo de la injusticia de la escena independiente musical. La salmantina, como telonera, demostró tener uno de los directos más interesantes que pueden verse en este país, y ofreció un extenso repertorio de emotividad oscura y reflexiva con canciones sobrenaturales como la sublime “I Saw The Light On”, mientras la sensibilidad del público de la sala Sol vagaba perdida bajo el culo de botellas de cerveza.

La noche en El Sol con Karate y LeGardon resultó ser una de las citas más interesantes de lo que va de año. Los de Boston peinan canas, lucen calvas, sacan tripa, y reconocen que preferirían hacer menos giras y pasar más tiempo en casa. Pero en ningún momento muestran signos de estar en un lugar que no se merezcan. Karate es una propuesta madura e inteligente, llena de canciones por descubrir y de detalles que disfrutar; y la prueba definitiva de que el emo no tiene por qué acabar cuando termina la adolescencia.

Nicolás Dorado, Supernovapop.

Es la sala Argos, del barco anclado en el Tormes, un fantástico lugar para pequeños conciertos. No parece, sin embargo, que el público salmantino todavía la haya descubierto. El jueves hubiera sido la oportunidad perfecta.

Allí tocaba una muchacha que yo amo apasionadamente, la maravillosa Ainara LeGardon, precedida de una descarga ruidosa de Rosvita, original y aniquilante cuarteto al que no conviene perderle la pista. Pero naturalmente, el verdadero pecado mortal es perderse a Ainara, que aparcados Onion, apenas frecuenta esta ciudad que la vio crecer musicalmente, entretenida como anda en patearse el circuito de pequeñas salas de toda España y parte de Europa con una propuesta musical ante la que es imposible no caer rendidos.

Sutil, poética, roquera, enamorada, desnuda, romántica, doliente, cruda, sincera, Ainara LeGardon nos entrega una otoñal lluvia de hermosísimas canciones de esas que hacen cosquillas en el cuerpo y en el alma y se nos quedan para siempre haciéndonos compañía.

Salvo algún estreno exclusivo, todas ellas están contenidas en su disco “In the mirror”, un trabajo que les recetaría con entusiasmo para curarse la pena de

Haberse perdido el concierto del año.

Juan Mari Montes, La Gaceta de Salamanca.

“Gran velada de sonidos intimistas que se encargó de abrir Ainara LeGardon con un concierto pluscuamperfecto en el que destacó tanto su creatividad como la ejecución de su banda de lujo. Carlos Torero ex-Radio Futura sentó cátedra en la batería, junto con la viola y bajo que acompañaron de manera cómplice a una Ainara triste y melancólica pero profundamente transmisora de emociones y susurros. Nunca la tristeza fue tan bella. Su concierto, un privilegio que disfrutamos unos pocos y su victoria una decisión mayoritaria de todo el jurado. Sin discusión.”

Manuel García, Onda Jaén

Y AINARA LeGARDON logró el silencio…

Ella sola con una guitarra eléctrica consiguió que el escaso medio centenar de personas reunidas en el Playa Club disfrutasen de su actuación bajo -¡milagro!- un escrupuloso silencio, pero el agradable contrapunto de unos sonoros y enérgicos aplausos llegado el final de cada tema. Gustó AINARA desde el primer tema, ese soberbio “Hope Defeteaded” que abría su actuación, y sorprendió con su manejo expresivo y con su facilidad para modelar ese discurso que ha hecho de “In The Mirror” y “Each Day A Lie” dos discos de culto, muy a tener en cuenta. Como ya anunciaba por aquí Kurique, su concepción, pese a no contar con banda, fue bastante fiel a las grabaciones pero la carnalidad y espiritualidad (esos momentos de cerrar los ojos, inclinarse hacia atrás y literalmente gozarla) de su trasvase al directo subían ligeramente la media. Especialmente cuando afilaba el lirismo y se revolcaba en esa belleza cuasi-folkie, lírica y estremecedora (la de temas como el homónimo “Each Day A Lie”), uno tenía la sensación de estar ante una autora de verdad, sensible y sin artificios, sin trampa ni cartón, de esas que abre una rendija de su habitación para que nosotros, emocionados, la espiemos y nos regocijemos en sus exorcismos particulares. 

Es decir, exactamente lo que el cuerpo me pide de un tiempo hacia esta parte casi de modo exclusivo. Cuando al final, algo melancólica (intuyo que por el poco público) nos daba las gracias a los congregados, me daban ganas de levantar la voz y decirle que “de nada”. Pero claro sería una chirriante manera de romper una noche en la que, poco a poco, se fueron diluyendo los pensamientos en círculos sobre los sinsentidos que (cada vez con mayor intensidad) me voy encontrando por este pedregoso camino de treinteañero y constatar, de nuevo, que esta burbuja musical sigue siendo el mejor de los refugios posibles para que todo vuelva a ser anormalmente normal. 

¿Te lo has perdido?, pues sí, puedes lamentarte porque fue una gran actuación. Y era gratis…

04/29/06  (Si conoces al autor de este texto, escríbenos a info AT winslowlab DOT com para que podamos acreditarle).

La noche del jueves tuve un sueño. Soñé que Donostia era una ciudad cultural e inquieta. Como Berlín, Nueva York, Paris o la propia capital guipuzcoana hace unos años. 

O hace unos meses, cuando uno se dejaba caer entre semana por el festival que llena de música la playa. Acercándose a propuestas musicales que jamás había escuchado y que, puestas ante el morro, despertaban su curiosidad. 

Entre nebulosas veía una urbe que sabía (y quería) disfrutar de la posibilidad de los actos pequeños aunque fuera a costa de dormir 5 horas, buscando sonidos alejados del tormento repetitivo diario. Ese que luego ven repicado, “quién lo iba a decir”, en los bares de turno. 

Unos ciudadanos que los días de labor conseguían desengancharse del “mono” de la tele y se ponían otro mono, el del viajero cultural que gusta de buscar y a veces encuentra. Lo dicho, un sueño. 

En mis paseos con Morfeo llegaba a una sala Gazteszena en el que cientos de asistentes (y no los 150 que al final fueron) se acercaban a la sesión triple que el festival musical DonostiKluba presentaba. Una oferta variada que la noche del pasado jueves juntaba voces folk, guitarrazos punk y mucha base electrónica. 

Mi sueño se apoyaba en músicas poco conocidas pero reales. Como la de Ainara Legardón, una compositora (palabra en desuso) emocionante y vibrante como pocas. La creadora vizcaína ofreció el jueves un recital sensacional, en el que su personal voz viajaba sobre los arpegios de su guitarrón eléctrico. 

Con toques folk norteamericanos y arrebatos eléctricos a lo Neil Young, era en los paseos suaves cuando la dama de timbres apasionados y cercanos hipnotizaba a los asistentes, quienes inexplicablemente estaban en silencio, observando “Madre e hija” (la película melancólica que se proyectaba en la pantalla del fondo). 

Y tras la calma, empezaba la tempestad con los catalanes Spunkfool, con CD producido por David Kano (Cycle). Se notaban mucho las maneras de su padrino, aunque los barceloneses (quienes se dejaron buena parte del sueldo en pillar vuelos para no perder jornadas laborales) sonaban a banda real, no a pantomima sobre el escenario. 

Era precisamente cuando abandonaban el férreo patrón y tiraban hacia el tecno-pop cuando más se disfrutaba de Spunkfool, como en su arrebatadora versión del “Rape me” de Nirvana sobre el fondo del “Living On Video” del grupo Trans x.La noche la cerraba el cuarteto Virüs: Dos chicas que guitarrean un poco mejor que en su otro grupo, Las Perras del Infierno, se acompañan de un batería donostiarra y un auténtico fan de Ian Curtis (cantante de Joy Division) para actualizar los mensajes melódicos que la Movida madrileña dejó en nuestra cultura. 

Con letras herederas de la oscuridad futurista de Aviador Dro, la puesta en escena y actitud eran arrebatadoras. Su música navegaba descarada y potente entre el rock, el punk de Parálisis Permanente y la electrónica. 

Y después me desperté. Estaba en la mesa del curro, mientras mis compañeros hablaban de programas televisivos y planeaban la sesión hogareña de palomitas y manta. Algunos, osados, pensaban salir el mismo viernes a la noche.

Nosotros, algo reacios a la “cultura politono”, preferimos pasar la tarde en la Casa de Cultura de Okendo, donde los grupos seleccionados en el CD Donostia Elektronikoa se iban a desfogar en directo…

www.loveof74.com, 07/10/2006

• 27/05/11: Barcelona. Primavera Sound.

Rock de Lux
Last FM
Curtains

• 11/06/10: Bilbao. Cotton Club. Junto a MobyDick.

Mondosonoro Euskal Herria

• 24/02/10: Madrid. Moby Dick Club. Junto a Glorytellers.
  

Muzikalia
Zona Musical
Buscamusica
Feiticeira
Musicopolis

• 20/11/09: Barcelona. Heliogàbal.

Last FM

• 13/11/09: Madrid. Moby Dick Club.

Cielo Vacío
La Ganzúa

• 16/02/08: Madrid. Moby Dick Club. Junto a Lisabö.

Feiticeira
No te salves Webzine
Festivales de Rock

• 06/12/07: Barcelona. Festival Primavera Club. Sala Apolo [2].

La Karnicería

• 18/09/07: Madrid. Moby Dick Club.

Feiticeira
In Circles Webzine

• 24/06/07: Madrid. Festival del Mercado de las Flores (Pza Tirso de Molina).

In Circles Webzine

• 05/10/06: Donosti. Gazteszena- Casa Cultura Egia. Festival Donostikluba 06.

Love of 74

• 26/08/06: Bilbao. Bilborock. Junto a Hoon.

Feiticeira

• 22/07/06: Benicàssim (Castellón). FIB.

Festivales de Pop
La Karnicería

• 03/06/06: Barcelona. Festival Primavera Sound.

Rock de Lux

• 28/04/06: A Coruña. Playa Club.

*

• 25/04/06: Madrid. Moby Dick Club. Con Petti.

No te salves Webzine
Popmadrid
Cielo Vacío

• 24/03/06: Madrid. Barbarella (Nasti). Concierto de Julio de la Rosa (Ainara LeGardon le acompaña a la guitarra y voces).

Muuma

• 17/12/05: Barcelona. Teatre Lluís Millet. Festival Funhouse Hivern.

Casa de Lava

• 17/08/05: Sevilla. Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. Ciclo Nocturama.

Pop Page

• 06/07/05: Barcelona. Apolo. Abriendo para Bonnie`Prince´Billy & Matt Sweeney y Goodtime John.

Muzikalia

• 17/02/05: Madrid. Sala El Sol. Abriendo para Karate.

Nosoloemo
Supernovapop

• 05/06/04: Jaén. Lagarto Rock Festival.

Onda Jaén

• 26/02/04: Valladolid. Sala El Tío Molonio. Con Arizona Baby.

Valladolid Web Musical

• 27/11/03: Salamanca. Sala Argos. Con Rosvita.

La Gaceta de Salamanca

• 10/10/03: Gorliz (Bizkaia). Sala Xurrut. Con Young Talent Show.

Orpheo

• 03/07/03: Beasain (Gipuzkoa). Palacio de Igartza. Con Young Talent Show.

Moonpalace

Ruta 66, octubre 2010.

“…vamos a incidir en la música de dos mujeres que ya llevan un tiempo en esto y a las que una vez más reivindicamos con admiración y pasión desde estas páginas: Maika Makowski y Ainara LeGardon, que han grabado dos discos macanudos, hermanados por una constante búsqueda sónica y espiritual, aunque en ocasiones eso implique apartarse del camino más fácil y acaben de barro hasta las rodillas”.

“…A estas dos mujeres también les unen sus letras, porque son lienzos cargados de ocres y pintados con violentos brochazos de pasión y dolor, historias crudas que si te dejan indiferente es porque no corre sangre alguna por tus venas”.

Ainara LeGardon. Blues orgullosamente retorcido.

Alondra Bentley dijo: “¿Qué pasa entonces con Ainara LeGardon?” Cuando se le preguntó en una entrevista por esa supuesta escena de cantautoras. Cierto, Ainara lleva a sus espaldas una larga carrera, primero como vocalista de Onion y desde hace ya un buen puñado de años como artista en solitario, labrándose una reputación a prueba de bombas que le ha llevado a defender sus canciones en casi todos los escenarios y festivales de nuestro país. Forgive me if I don´t come home to sleep tonight –su tercer trabajo- se ha hecho de rogar, pero os aseguro que la espera ha merecido la pena.

En cuatro años se puede cursar una carrera universitaria, se me antoja demasiado tiempo para un disco salvo que te llames Axl Rose o haya habido alguna causa extramusical.

En los años 2006 y 2007 tuve que emprender nuevas sendas, tomar decisiones no siempre fáciles, y eso me llevó un tiempo en el que perdí la inspiración. Cuando por fin había encauzado mi camino de nuevo, sufrí una lesión de espalda que me obligó a paralizar cualquier plan musical durante meses.

Cuando se editó Each day a lie (2005), tu segundo trabajo, nos contaste que tenías pensado cerrar una trilogía.

Mi vida dio un giro inesperado. Las experiencias que he vivido estos últimos años han sido muy intensas y me han inspirado canciones que nada tienen que ver con los discos anteriores. Tratar de completar una trilogía ya no tenía sentido.

Supongo que hay algún significado en el hecho de que, en la portada, aparezcas hecha como de retales…

Fue idea de Rafael Jaramillo, que ha hecho un gran trabajo. Las letras y las maquetas previas que tuvo ocasión de escuchar para trabajar en el diseño, le sugirieron la sensación de una mujer hecha jirones… Pero bien recompuesta, he de matizar.

De ese tipo de experiencias, se suele salir reforzado. Puede sonar a tópico, pero parece un álbum más maduro.

Una va creciendo, se encuentra con nuevas experiencias, unas agradables y otras no tanto, se tropieza, se cae y se levanta. Al final una se sacude la tierra de las rodillas y hace otro disco, quizás, como tú dices, más maduro.

También lo encuentro más rootsy… No sé si es culpa de la madurez, pero vamos perdiendo contacto con el sonido actual, no nos interesa tanto estar al día… ¿te ha pasado a ti?

Me ha pasado, sí. Últimamente me he dedicado más a investigar estilos que habían estado siempre a mi alcance, pero que debido a una saturación de artistas nuevos que trataba de asimilar, no les había prestado la atención suficiente. El problema es que hace tiempo que algo no me “emociona profundamente”. Igual es que ahora soy un poco más exigente, quién sabe. El caso es que, sin duda, éste es un disco más de raíces, con claras influencias de blues o como dijo recientemente un crítico: “blues orgullosamente retorcido”).

No sé si ese cambio de sonido es producto del cambio de músicos o viceversa…

Más o menos llevo tocando desde 2005 con Javier y Alfons, y seguro que ellos han contribuido al cambio de sonido, pero también ha contribuido el giro en la perspectiva que yo le he dado al proyecto desde que Carlos Torero dejó la batería. He pasado de ensayar un repertorio estructurado de una manera regular con una banda estable, a prácticamente no ensayar nunca con ellos. Esto supone darle otro punto de vista al proyecto: canciones mutantes, camaleónicas, que se visten de manera diferente según el formato: sola, dúo o trío. Carta blanca para la improvisación y la experimentación. Mano abierta en cuanto a decidir sobre el escenario si añadimos un tema más al repertorio, aún sin haberlo ensayado en años. Es una sensación de libertad y frescura que se refleja en cada interpretación.

Además de autoeditarte, has grabado en tu estudio Hambre y Ganas. Imagino que el nombre no es casual…

El hambre y las ganas de comer ya se sabe que siempre funcionan bien juntas. Me apetecía dar un paso más en la autoproducción, tener el control sobre factores que antes no habían estado completamente en mis manos, como grabar en nuestro propio estudio y realizar la masterización; tarea nada fácil por la que Paco Jiménez se merece una mención especial.

Deserter_FM

La Vanguardia

“Su camino sigue en trayectoria ascendente para convertirse en una de las damas del rock del siglo XXI”.

La Nadadora

“Un disco desde las entrañas y con un par de ovarios la ostia de grandes”.

Denso Magazine

“Indispensable para resistir y respirar.”

Mondosonoro

“Gratifica entre matices y acelerones de furia capaces de cauterizar cualquier herida.”

El País

“Da la sensación de que Ainara podría haber escrito un libro entero con sus miedos y tristezas que quedan muy bien resumidos en los 30 minutos que dura el disco”.

Feel the Noise

“Un exorcismo eléctrico que no ha de pasar desapercibido.”

Muzikalia

“No esperen salir indemnes de la escucha. Aquí no hay asideros”.

Rock de Lux

“Ainara, cada vez más segura y firme en unos planteamientos musicales que siempre han huido del fácil acomodo en los estantes de la música más digerible y comercial para ahondar en la búsqueda de un mundo interior absolutamente personal en el que la cantante nos expone sus sentimientos con desgarro y agreste pasión.”

La Gaceta de Salamanca

“Tras dejarnos a muchos absortos Ainara LeGardon ha regresado con un disco en el que nos muestra una faceta que, aunque intuíamos, tal vez no pensábamos que fuera a explotar a estas alturas. A través de su cancionero más ruidoso consigue crear otro disco notable y, lo que es más importante, derriba los complejos generacionales que parecen dictar que la rabia del rock sea sólo para adolescentes y el folk llega con la madurez”.

Feiticeira

“Nuevamente gracias, Ainara. Todos necesitamos una canción más antes de despertar y cuando acaba este disco sé con toda certeza que ‘lo que una vez deseamos’ fue escuchar algo parecido a esto.”

Fanzine Ectoplasma

“Mención aparte de nuevo para sus trabajadas letras”.

Paisajes Eléctricos

“El nuevo disco de Ainara LeGardon es desgarrador. Puro. Conquistador”.

Lagartoon Música Alternativa

“Ainara LeGardon se acerca al Sol para cargarse de energía y perderse en el infinito a la velocidad de la luz.”

Mundomusica

“Mira directamente a los ojos a We Once Wished y dinos si Ainara LeGardon acaba de protagonizar uno de los mejores discos de rock estatales de los últimos años. Yo creo que sí.”

DOD Magazine

“…grandísimo disco, oscuro, intenso y que debe marcar un antes y un después en la carrera de esta gran artista.”

Slithers Musiczine

“Única y desgarradora, merecedora de uno de los currículos más impresionantes del panorama musical actual.”

Noticias Cuatro

“Una mujer de guitarras tomar […] Un disco de aire denso, difícil de respirar, que te engancha con sus guitarras y sus melodías incómodas.”

Carne Cruda. Radio 3 RNE

-Mondosonoro

-El País

-La Página de la Nadadora

-Muzikalia

-Fanzine Ectoplasma

-Denso Magazine

-Feel the noise

-La Gaceta de Salamanca

-La Vanguardia

-Feiticeira

-Paisajes Eléctricos

-Lagartoon Música Alternativa

-Slithers Musiczine

-DOD magazine

-Mundomusica

-Musicazul

-Suicide by Star

-El Jardín de Octopus

-Rock Zone

-Subnoise

-Fanzine Sonora

-Picadura de abeja

-Rey Sombra

-The Backstage

-El Periódico de la Publicidad

Es ahora justo, al fichar por Aloud Music, cuando la urgencia se apodera de su discurso y la electricidad desaforada hace presa en su propuesta. Todo ello sin perder ni una sola de sus señas de identidad: el susurro palpitante, la tensión continua y un espartano montante que siempre termina sumando mucho más que miles de ejercicios que son carcasa hueca.

Son de nuevo las manos de Paco Jiménez las encargadas de perfilar el sonido desde una producción que se ajusta a las necesidades de cada composición, agreste y pulida a un tiempo. Y Ainara es la máxima artífice de la imaginería de un disco que habla de deseos fútiles, del Carpe Diem más solícito y de expurgar demonios a través de la búsqueda sedienta de vivencias que dejan cicatriz.

Ella misma, aparte de volver a sangrar a la guitarra y a las voces, graba la mayoría de los profundos bajos para la ocasión, dotando de una extraordinaria firmeza y cohesión el resultado final. No se puede pasar por alto el fichaje en su siempre escueto, pero diligente, escuadrón la ayuda inestimable de Héctor Bardisa (The Grave Yacht Club) a la batería, aportando una pegada que solicitaba el conjunto de canciones. Cabe mencionar también la heterogénea lista de colaboraciones: Rubén Martínez de Tokyo Sex Destruction, Hannot Mintegia de Audience y el neoyorkino Jason Victor, miembro acompañante de Steve Wynn con sus Miracle 3 y de Willard Grant Conspiracy.

El referente sigue siendo ella misma, y es el rasposo sonido, justo ahora que se dignifica la música inocua y sosegadamente lacia, el protagonista indiscutible. Con un posicionamiento contemporáneo y la vista reivindicando la trascendencia musculada de los noventa, We once wished es una construcción brillante a la par que valiente y rotunda.

Por Raúl del Olmo.

The same song as yesterday
sounding in my room,
the rain falling
while the truck drives through.
I like this gloom.

It`s just this cold, cold feeling.
This cold, cold feeling
faraway from home.
I`m in the mirror,
you`re not.

It`s the illusion
of your face on the wall.
I`m in the mirror,
you`re not.

It`s the dust in the air,
I can`t even breathe.
It`s the phone downstairs,
it will never ring.

It`s just this cold, cold feeling.
Cold, cold feeling
faraway from home.

I`m in the mirror,
you`re not.

DREAMING `BOUT YOU

You said goodbye, you hit the road.
I shook my hand to let you know
I was in love (I`ll always be).
I stood still watching you leave,
dreaming that you´ll dream about me.

So dark outside, five o`clock.
We went to bed, it was getting cold.
The sun rose early behind the mountains,
(you said): “It`s seven, now I have to go”.

You said goodbye, you hit the road.
I shook my hand to let you know
I was in love (I`ll always be).
I stood still watching you leave,
dreaming that you´ll dream about me.

THIS FEELING TRUE

It all began when my faith
became stronger than the words you said
till I reached this point of no return.

And it was then when my trust
flew softly through present and past
till I reached this point of no return.

I held my breath for years,
I guess you did it too.
This is how we still
keep this feeling true.

It all began when my faith
became stronger than the words you said
till I reached this point of no return.

And it was then when my trust
flew softly through present and past
till I reached this point of no return.

I held my breath for years,
I guess you did it too.
This is how we still
keep this feeling true.

I SAW THE LIGHT ON

If I only could
spend one more night there,
in the house
where I met you, my darling.
When I went upstairs
I heard wood creaking,
creaking like my heart.

I saw the light on
and I hoped
you´d come back
with the morning sun.
I saw the light on
and I hoped
you´d come back
in the morning.

I will starve to death,
I won´t even breathe
`cause I only want
to speak your language.
I remember
when we left the party
and celebrated.

I saw the light on
and I hoped
you´d come back
with the morning sun.
I saw the light on
and I hoped
you´d come back
in the morning.

FORGET JUST ANYTHING

My songs are safe inside your ears,
as safe as they can be.
Your words are clean washed by my tears,
as clean as they can be.

You can remember everything,
you don´t need my help to live again.
Just close your eyes and think of me
as you´ve been doing for years.

Your kiss is fresh inside my heart,
as fresh as it can be.
No one can steal such a memory.

I can remember everything,
don´t need no help to live again.
I just close my eyes and think of you
as I´ve been doing for years.

And I won´t forget just anything,
you know I won´t forget a single sin.
I just close my eyes and think of you and me.

THE DAY

´Cause I know
there will come The Day
no, my heart won´t get tired
of giving my love to you
and my arms won´t get tired
of holding the Earth.

´Cause I´m sure
it won´t linger on
no, my feet won´t get tired
of following marks in the rain
and my eyes won´t get tired
of looking for you.

´Cause I know
that I´ll find you soon
yeah, I´m ready to cry
though my spirit feels dry in a second
just to let my dreams dive
in an ocean of joy.
Just to let myself die
in an ocean of joy.

BLUE

You´d been hiding for a long time.
You´d been trying to disappear.
You´d been searching the last moment.

Then, you showed me
your deep blue eyes,
deeper than the sea.
I realized I needed
no water to dive
but you,
but your eyes,
but you.

LOVE IN A BOX

I found your letters,
I found your love in a box.
I found a tear drop of yours
in a paper I´d lost.

Why did you let time slip away?
Why do you break my heart today,
as you used to?

You said you wanted to start
a new life someday.
So, tell me, why didn´t you
just call my name?

I would have stayed
by your side
if you had asked me
to fly ´round the world
to find you.

Be sure I would have found you
wherever you were,
wherever you hid.

Be sure that I will find you
wherever you are,
wherever you hide.

ON THE VERGE OF TEARS

I beg you, please,
come with me.
If I say I`m sorry,
will you hold me?
I`m on the verge of tears.

Don`t let fear
become a friend.
If I told you I did,
would you forgive me?
I`m on the verge of tears.

Keep all my tears from rolling down.
Keep all my fears from coming `round.
Keep all the stars shining bright
in the dark of this town.
Hold me,
I`m on the verge of tears.

Keep all my tears from rolling down.
Keep all my fears from coming `round.
Keep all the stars shining bright
in the dark of this town.
Hold me,
I`m on the verge of tears.
Forgive me,
I`m on the verge of tears.

14 HOURS

14 hours on the road
to feel how all it turns strange,
the rain here spits harder
than in any other place,
and I´d almost forgotten this.

Wet socks, dry smile,
let me dive into my own world
for a while.
Don´t say a word.

14 hours on the road
to feel how all it turns strange,
the rain here spits harder
than in any other place,
and I´d almost forgotten this.

I must find out what I´ve lost
before grieving for it.
My wounds must be healed
before they start to bleed.
My eyes, they must turn into swamps
before I can see clear.
Time must stop to let me live one more year.

Darkened love gone for a while.
Hope defeated by a lie.

Must´ve learnt how to lose
before starting this game.
Must´ve learnt how to suffer
before wishing this pain.

Darkened love gone for a while.
Hope defeated by a lie.

THE WINTER SUN

If you wanna drive I´ll sit behind
to see you both help my mind
fly over the blackest of greens.
Let it slip, time inbetween.

All I wished is in my hand.
You´ve become my piece of land.
Let it freeze, the winter sun.

If you go to sleep I´ll stay around.
Play some music, feel so down.
Let your arm hang from the bed
till your fingers touch my hair.

DRY YEARS

Spring´s come too soon.
I´m leaving home
to search all the words I would´ve loved to hear.
Spring´s come too soon this year.
I´m leaving home again
to search all the words I would´ve loved to hear.

Torn apart.
Drink tears from my heart.
Dry years.

EACH DAY A LIE

Each day, a lie.
Each second, as painful as life.
Each day, a lie.
Each second´s the truth that you didn´t tell on time.

Count on me.
Next time you try to love me
I´d kill to know it.
Count on me.
Next time you try to kill me
I´d love to know it.

LAST OF YOUR HOPES

I think I´ve found in you
distant dreams I once made mine,
but a side note and ten songs
won´t be enough to win your heart.

Now it´s time to settle down.
Silence gone, words are here.
I´m sure his ghost will not come back.
Why don´t you hold me
as if I was the last of your hopes?
You´re the last of mine.

REAL

At this point I need to know everything was real
and stop wondering how it could have been.
Gotta give up dreaming of another life
and live the one that boils under my skin.

Will you stay around
in case I need your eyes?

You showed me the right tune, it drives my heart
when you´re not here to cruise along my veins.

Will that song remain
till my blood runs dry?

NEEDED

I´ll give you an extra part of me
if you hold me like you did once more.
You made me feel I was so needed
though I knew I was not.
I´m not,
at least not enough to deserve your smile
or your kiss, or your look in my eyes.
Why did you treat me as if you loved me?
Asking nothing in return.

I´m not enough to deserve your smile
or your kiss, or your look in my eyes.
Treat me as if you loved me.
Ask nothing in return.

A SECOND OF…

Would it be too much if I ask for a second of silence?
Would it be too much if I ask for a second of truth?
Won´t you leave me alone?
You can´t pay off what you owe me.

You´re as dead as the one who can´t be further away.

WITHOUT

Thanks for giving me your light
on a night like this,
cruel as life without love,
real as you and me.

Do I have to walk alone the long way?

Thanks for bringing me this sour gift
as you held me tight,
the right words for this desert
with no end in sight.

Do I have to walk alone the long way?

That job that I took
was killing me from the first day,
since I was not prepared to deal
with other people´s dreams sold in cages.
With other people´s dreams.

That friend that I lost ended up being
one amongst the others.
That friend that I lost ended up being one,
just one amongst the others.

Years in my back,
they are not weightless anymore.
I need my head back,
sleep a night and step forward weightless.

I used to feel so courageous.
Years ago I was so brave.
That was before I caved in.
Time ago I felt so safe.

Fear in my eyes,
it is not weightless anymore.
I need my guts back
to pull the trigger and step forward weightless.

Years in my back,
they are not weightless anymore.
I need my head back,
sleep a night and wake up weightless.

SICKNESS

You never held me as tight as I hold you.
You, sickness of all men.
You never grabbed me as tight as I grab you.
You, secret of all men
in all seasons and lands of all continents.
In all times and lands of all continents.

He wrote some words to friends and family,
gave all the numbers just in case.
He talked about people he loved,
ignored the secret of all men.

You never held him as tight as he holds you.
You, sickness of all men.
You never held him as tight as he holds you.
You, secret of all men
in all ages and lands of all continents.
In all seasons and lands of all continents.

THE DEATH MOST DESIRED

I would turn my head back looking for something,
then you´d make ours the death most desired.

Don´t hold me tighter, you know it´s alright.
Don´t ask questions, please, it´s alright.
But forgive me if I don´t come home to sleep tonight.

I found her keys in the pocket of a coat
I haven´t worn since we were in New York.
Tell her she can come visit me anytime, anytime.

YOUR OWN DIRT

You´ve found your place
among rattlesnakes,
feeding on your own dirt.

You live your hell,
all my names misspelled,
all chasing daughters around the corner.

She´s so peaceful, she´s so calm,
so free, so true, so…
She´s so peaceful, she´s so calm,
she never skipped a year.

THE THIRD

Look, there´s a third.
I haven´t talked about him to anyone else.
He loves me like no other.
He would give his life away, he would go.

THE MORNING OF THE EARTHQUAKE

She called the morning of the earthquake
and found me burning in a nightmare.
She´ll never know how much I´ll miss her.

She´d bought a graveyard on her own.
“Don´t let me die before him”.
“Be sure I won´t”.
And I made my friends promise they would help.
She´ll never know how much I´ll miss her.

I WON´T FORGET

I´ve got some friends up in the North,
they treat me kind.
They teach me how to speak their language,
they are so patient with me.
I´ve got some friends in foreign countries,
they understand when I can´t keep in touch.
I´ve got some friends there in the East,
they heal my heart.
They always say they are my family
and I know I can count on them if I ever need a band.

I won´t forget that you took care of me
when I was in need of help.

I haven´t talked to one of my best friends
since we argued about nonsense.
I love you still.
I cried and you attended,
lied and you forgave me,
committed mistakes and you defended me
above everything.
When pain was killing me
you crossed that weird town at night for a relief.
I could barely move my hands,
you fed me.
Won´t you believe
I won´t forget that you took care of me
when I was in need of help?

KNOWING

You didn´t know I was born in the North.
I didn´t know to whom your songs belong.
You didn´t know where my life went wrong.
It could´ve been a perfect start
without the pressure of knowing.

You didn´t know I had someone.
I didn´t know you were someone.
It could´ve been a perfect start
without the pressure of knowing.

STAINED SOUNDS

Beware of springtime,
each year we fall into a lie.
Perfect time for cheating,
wrong time for asking why.

And my sleep will never come.
And my heart will never rest.
Car crash, stained sounds
in my head bounce.

I gave you six parts of me,
seven if you count this one.
You gave me all you could give,
gave me your music,
gave me your time.

In this adventure that I´m heading for
I feel a storm above my head,
fireworks in my last night.
My mind you´ve never left. (Never, never)

I breathed smoke from your mouth
and forgot about my pain.
My blood boils and I feel alive
at the mention of your name.

Every night becomes the last one
at the mention of your name
or just remembering your smile.
My mind you´ve never left. (Never, never)

I LEFT

Take me,
I don´t wanna sleep at home tonight.
Take me back,
I lost something on my way last time.

Take me,
I want to defy my heart tonight.
Take me back,
I lost something on my way last time
when you told me
you could be in trouble if I´d stay,
so I left, I left without you.

I recall your words
over and over again
and I wish you had lost a part of you within me.

I try to recall your face
over and over again
and I wish you had lost a part of you within me.

WE ONCE WISHED

Running through the corridor
you chased after me.
I remembered in a dream
what we once wished.

We used to have a place to go
that doesn´t exist anymore.
Where will we hide now
when we need an excuse?

Listening to the sound of drones
I thought about you.
You were moving slow,
we were moving slow
as we once wished.

HUGS THAT WON´T LAST

Behind that door
you put a smile back on my face.
But it was not enough,
you had to kiss me goodbye
so I can never forget.

That night I meant my words.

Don´t worry, babe, I leave tomorrow.
I won´t become a stone in your path.
You will remain as the best of dreams
in the air that I´ll breathe
and the hugs that won´t last.

Tonight I mean my words.

REASON

Have I told you you´re the reason why?
Have I told you you´re the reason why
I can´t wait, can´t wait, can´t wait,
but would love to stop time?

Have I told you you´re the reason why?
Have I told you you´re the reason why
I can´t talk, can´t talk, can´t talk,
but would love to shout it all out?

Till the day when I can´t hold my tongue,
till the day when I can´t hold it…

I AM

I am the traitor,
I am the cheat.
I am.
All that I´ve hated
now lies within
what I am.

I am the butcher,
I am his knife.
I am.
I raised my arm
while I closed my eyes.

I am the murderer,
I am his crime.
I am.
I´m sorry, darling,
can´t be your wife.

THIRSTY

I´m thirsty
for what you can bring me.
What will you bring me
this time?

Every secret has its price.
Which one will you bring me
this time?

EVIL EYES

You showed no fear,
you were so straight,
you made me feel
there was no one else.
No one else behind that door.

That song, it won´t
ever mean the same.
With your shark´s mouth
you bit my brain
and gave me what I´d been asking for.

Evil eyes,
you looked at me
and I couldn´t say no.

You knew where to find me,
safe from the crowd.
You knew what to give me,
I´d been asking out loud
to no one else but you behind that door.

Evil eyes,
I looked at you
and you couldn´t say no.

BEFORE WAKING UP

Before I would open my eyes he used to play
the most beautiful songs of my life
just to make me happy,
just to make me cry,
just to make me…

I looked through the window
and dreamt about
staying there for a long time.
More than one more day,
more than one more night,
more than one more day,
more than one more life.

And when I gave up
staring at that pretty land
he still had his eyes closed
praying for one more song
before waking up.

I looked through the window
and dreamt about
staying there for a long time.
More than one more day,
more than one more night,
praying for one more song
before waking up.

And he let me touch his shoulder
to thank him for what he´d brought me back
before waking up.

I looked through the window
and dreamt about
staying there for a long time.
More than one more day,
more than one more night,
praying for one more song
before waking up
to thank him
for what he´d brought me back.

MAKE IT MINE FOREVER

Oh, I´m starting to lose it.
Oh, I´m starting to forget it.
Oh, there won´t be another chance to
look at your face and make it mine forever.

Ainara has always been the most intimate of artists. Listening to her music you feel like you are there with her in the room, listening to private conversations, conversations which even at their most angry retain a warm honesty and a glowing humanness. Her new album “Forgive me if I don´t come home to sleep tonight” raises the intimacy bar significantly. Not a single gesture is wasted. It is not always a smooth journey, but it is a deep one. She puts you THERE. That shaded, thorny place that we all know and often rightfully fear. But her songs are a brave, compassionate and elucidating guide and in the end we can only be thankful for her courage.

—Chris Eckman/Ljubljana/Nov. 2009

Ainara ha sido siempre la más íntima de los artistas. Al escuchar su música tienes la sensación de estar allí con ella en la habitación, escuchando conversaciones privadas, conversaciones que, aun en los momentos de más rabia, conservan una honestidad rotunda y una intensa humanidad. Su nuevo disco, “Forgive me if I don´t come home to sleep tonight”, supera con creces los límites de la intimidad. No desperdicia un solo gesto. No siempre es un viaje cómodo, pero es profundo. Ainara te lleva ALLÍ; a ese lugar sombrío y espinoso que todos conocemos y con frecuencia tememos, y con razón. Pero sus canciones son un acompañante valiente, comprensivo y clarificador, y al final sólo podemos agradecer a Ainara su valentía.

—Chris Eckman/Ljubljana/Nov. 2009